Gala de los Oscars 2007: el triunfo de Marty

Sin duda, el gran triunfador de la gala fue el gran Martin Scorsese, quien por fín ha visto recompensado todo su trabajo llevándose dos de los premios más importantes de la ceremonia , mejor película y mejor director (entre otros dos a mejor guión adaptado y mejor montaje)

El Oscar a mejor película nos piyó un poco por sorpresa (yo apostaba por la idolatrada Babel), pero no hay duda que “Infiltrados” es una película estupenda y tito Marty un gran director y si ha tenido que ser ahora cuando le den su tan ansiado y merecido premio, yo me alegro por él.

Es cierto que Scorsese se ha merecido el Oscar en más de una ocasión y por películas mucho mejores que ésta, pero así funciona la Academia, emmendando los errores cuando no toca.

De hecho, este Oscar es más bien un título honrífico a toda su larga y espléndida trayectoría como director. Scorsese es uno de los grandes de Hollywood y de manos de otros dos grandes de la industria como son (o eran) Francis Ford Coppola y Steven Spielberg (como veis, no cuento a George “papada monumental” Lucas) ha recibido el premio que tanto le ha sido negado.

Habrá quienes se hayan disgustado con este premio, en especial los competidores en dichas candidaturas, pero hay que decir que ya quisieran muchos hacer un remake tan cojonudo como el que ha hecho este señor y saber dirigir de forma tan magistral a un reparto de tales magnitudes. Y es que cualquiera suplicaría por trabajar con este monstruo de la dirección.

En fin, una vez que ya me he desecho en halágos hacia este señor, pasaré a explicar lo más brevemente posible el resto de la gala, vista a través de mis soñolientos ojos (eran las 6.30 de la mañana y aún seguía despierto) y mi habitual punto de vista.

A excepción del caso Marty y alguno más que comentaré a continuación, las sorpresas han sido más bien las justas.

Los Oscars a mejor actor y mejor actriz estaban cantados y evidentemente en caído en las manos de Forest Whitaker (todo un actorazo al que por fin han reconocido su talento) y Helen Mirren (una actriz como la copa de un pino). En el caso de Mirren, que por cierto estaba realmente guapa en la gala, la cosa estaba segura al 99%. De no haberlo ganado, hubiera podido ir a cualquiera de las otras estupendas actrices nominadas. Cuando digo las otras me refiero por supuesto a Meryl Streep (no es ni de lejos su mejor papel, todo sea dicho), Judi Dench (que no pudo asisitir a la entrega) y Kate Winslet (una de las actrices más jóvenes en ser tantas veces nominada al mismo premio). Aún me pregunto que demonios hacía la “Pe(tarda)” al lado de esas fabulosas actrices. Habría que preguntárselo a Iker Giménez :)

Guillermo Del Toro por su parte, recibió uno de los palos más grandes de la noche al no conseguir el premio a la mejor película extranjera, que en este caso se lo llevó la alemana “La vida de los otros” de la que oído muy buenas palabras, así que enhorabuena a su director y guionista Florian Henckel-Donnersmarck (toma nombrecito)

No obstante, el equipo de Del Toro se llevó 3 Oscars correspondientes a las categorias de mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor maquillaje. Así que por lo menos, su trabajo se vió de algún modo recompensado.

El Oscar a mejor actor secundario fue a parar a las manos Alan Arkin por su papel en “Miss Little Sunshine”, desbancando al favorito Eddie Murphy (quién si se llevó el Globo de Oro a esa misma categoria). Y el de mejor actriz fue para Jennifer Hudson, quien recogió el premio muy emocionada (no es para menos dado que hasta el momento era una gran desconocida)

En la categoría de mejor película de animación el premio se lo llevaron los pingüinos bailarines de “Happy Feet”. De este modo Pixar perdía ante un rival que arrasó en taquilla durante las navidades pasadas, aunque yo no he podido comprobar si reamente ésta película es mejor que “Cars” (lo dudo)

El premio a mejor guión original lo ganó “Miss Little Sunshine”, que si bien no se llevó las estatuillas en las categorias más importantes, es de elogiar que una película independiente haya consguido dos Oscars compitiendo en una ceremonia con tan ilustres nombres.

El mejor documental estaba claro que sería “Una verdad incómoda”, abalado y publicitado (y también interpretado) por el político y ecologísta Al Gore. Además, también se llevaron el Oscar a mejor canción, algo extraño si tenemos en cuenta que estamos hablando de un documental y que en dicha categoría solo deberían incluirse películas, a mi entender. Pero bueno, ya se sabe que estos de la Academia hacen los que les da la gana.

Eso sí, a los nominados por “Dreamgirls” les sentaría como una patada en el mismísimo trasero (se tuvieron que conformar con el Oscar a mejor sonido). Para más inri, fue su película una de las grandes perdedoras de la noche junto con Babel, que tan sólo pudo llevarse el premio a mejor banda sonora.

Mi conclusión sería ésta: A los que se esfuerzan se les recompensa, a los pretenciosos se les castiga :)

No comentaré el resto de premios porque tampoco hay mucho que decir. Al final de la entrada haré constar el listado con los/as vencedores/as en todas las categorias para que podais hecharle un vistazo rápido al tema.

Para mí, es más importante destacar uno de los mejores y más emotivos momentos de la noche: la entrega del Oscar honorífico al genial/magnífico/extraordinario compositor Ennio Morricone, responsable de algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine y por el que un servidor siente un profundo respeto y una gran admiración.

Morricone, visiblemente muy emocionado, hizo uso de su lengua materna para expresar su agradecimiento por el premio recibido y fue tito Eastwood (otro gran perdedor de la noche) quien se encargó de hacernos la dudosa traducción simultánea.

Fue uno de los mejores momentos de la noche y junto con Scorsese su nombre fue de los más aplaudidos (el público en pie y todo, increibel-ble)

Por lo demás y ya en líneas más generales, felicitar a Ellen Degeneres por su buen trabajo como presentadora de la gala. Su agradable humor, su saber estar y su natural desparpajo hicieron la velada de lo más amena. Lástima que su aguda labor no fuera recompensada con un mayor protagonismo. Y es que aquí, los verdaderos protagonistas eran los nominados y había que hacerlo notar. De todas maneras, nos regaló algunos momentos realmente divertidos, como el de la foto que le hizo Spielberg junto a Eastwood xDD

También las performances habituales de ésta ceremonia estaban muy conseguidas. Unos bailarines/gimnastas escenifican mediante sus cuerpos y un juego de sombras elementos característicos de algunas reconocidas películas.

La forma de presentar el Oscar al mejor vestuario también fue bastante original.

Quizás lo menos destacable fuera la parte destinada al backstage después de la recogida de premios. No hubiera ido mal una persona más capacitada para dicha tarea.

En definitiva, una gala muy correcta que ha rehusado recurrir a elementos artificiosos y sensacionalistas tan habituales en tales acontecimientos.

Por mi parte, he echado de menos una mayor sofistificación y elegancia por parte de las mujeres que íban haciendo acto de presencia. La verdad es que la mayoría de los vestidos eran horrendos, en especial el de “nuestra” representante (a saber como iba a ser el vestido que teóricamente iba a llevar si no se le hubiera roto a última hora), que debería llevarse el Oscar al mal gusto.

Aquí os dejo la prometida lista. Aquellos que no vieron la gala seguramente se podrán deleitar con los resúmenes pertinenetes de algunas cadenas de tv. En mi caso, una combinación de viejas y nuevas tecnologías (radio e internet) me permitió gozar de la ceremonia en vivo y en directo (aunque con algunos minutos de retraso). Mis ojeras lo atestiguan :)

MEJOR PELÍCULA - “Infiltrados”

MEJOR DIRECTOR – Martin Scorsese por “Infiltrados”

MEJOR ACTOR PRINCIPAL – Forest Whitaker por “El último Rey de Escocia”

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL – Hellen Mirren por “The Queen”

MEJOR ACTOR SECUNDARIO – Alan Arkin por “Pequeña Miss Sunshine”

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA – Jennifer Hudson por “Dreamgirls”

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN – “Happy Feet”

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA – “La vida de otros”

MEJOR GUIÓN ORIGINAL - Michael Arnt por “Pequeña Miss Sunshine”

MEJOR GUIÓN ADAPTADO - “Infiltrados”

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA - Guillermo Navarro por “El laberinto del Fauno”

MEJOR EDICIÓN - Thelma Schoonmaker por “Infiltrados”

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA - “El laberinto del Fauno”

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO - Milena Canonero por “María Antonieta”

MEJOR BANDA SONORA - Gustavo Santaolalla por “Babel”

MEJOR CANCIÓN - I need to wake up por “Una verdad incómoda”

MEJOR MAQUILLAJE - El laberinto del fauno

MEJOR SONIDO - “Dreamgirls”

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO - “Cartas desde Iwo Jima”

MEJORES EFECTOS ESPECIALES - “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto”

MEJOR DOCUMENTAL – “Una verdad incómoda”

MEJOR CORTO DOCUMENTAL - “The blood of Yingzhou district”

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN - “The Danish Poet”

MEJOR CORTOMETRAJE - “West bank Story”

OSCAR HONORÍFICO - “Enio Morricone”

Saludos ;)

Ases calientes (Smokin' Aces), era mejor el trailer

Aquí la breve sinopsis de filmaffinity:

El jefe mafioso Primo Sparazza ofrece una generosa recompensa de un millón de dólares a quien liquide a Buddy 'Aces' Israel (Jeremy Piven), un mago de tres al cuarto que va a testificar contra la mafia de Las Vegas. El FBI ve la oportunidad de usar al embaucador para atrapar a Sparazza, y ofrece protección a Aces, al que custodiarán dos agentes (Ryan Reynolds & Ray Liotta) en su refugio de Lake Tahoe. Cuando la comunidad de malhechores presentes, pasados y futuros, se entera del precio de la cabeza de 'Aces', una multitud de cazadores de recompensas, matones, bellas y sensuales sirenas traidoras y mafiosos salen de caza. Con Lake Tahoe como objetivo, la colección de chorizos se lanza a una cómica carrera en su intento de matar a 'Aces' y llevarse el botín...

Después de sorprender a la crítica con “Narc”, un correcto thriller dramático, Carnahan vuelve a la carga con una película de acción al más puro estilo Guy Ritchie pero sin la frescura de éste. El cocktail que Carnahan nos sirve se hace insípido en algunos momentos y disfrutable en otros. La mezcla entre thriller, comedia y acción se hace bastante heterogenia, sin que ninguna de los géneros llegue a brillar con su máximo esplendor.

La presentación de todos y cada uno de los personajes es bastante informal, ya utilizada en otras películas pero bien resuelta. Ni que decir que estos personajes son de lo más estrambóticos y durante la película algunos de ellos hacen gala de sus irritables excentricidades (véase el trío nazi)

Una vez hechas las presentaciones, el ritmo de la película empieza a flaquear bastante. Si bien el principio es bastante rápido (dentro de lo que cabe, teniendo en cuenta que hay muchos personajes), lo que sigue se hace lento y monótono. Carnahan empieza a perder fluidez en la narración de un modo alarmante. Por suerte, y cuando ya empieza uno a creer que está ante una imitación barata de un film de Scorsese, la cosa empieza animarse un poco cuando el variopinto grupo de matones y caza recompensas inicia su plan de caza. En ese momento apenas hay lugar para el descanso de nuestras retinas y la acción se sucede de forma constante y bien equilibrada, alternando momentos de adrenalina pura con secuencias más explicativas.

Sin lugar a dudas, Carnahan se lo pasado bomba rodando la película que el mismo se ha escrito. Pero lo que está claro es que Carnahan no es un Tarantino (ni en lo bueno ni en lo malo), y muchos de los diálogos y situaciones de la película son verdaderamente absurdos y surrealistas. Intenta ser transgresor con lo que cuenta y el modo en que lo cuenta, pero la cosa se queda en un quiero y no puedo.

Momentos como el del niño karateka, la conversación del nazi superviviente y su verdugo o el de la mancha en la chaqueta de cuero, destilan estupidez por todos lados. En esos momentos, un servidor, más que reirse, ponía cara de “pero esto que és!?”. Las buenas escenas se entremezclan con otras que no aportan nada a la trama y que están de relleno para intentar que la espectador piense que lo que está viendo es la ostia de bueno. Pero eso a mí, almenos, no me ha pasado. Por eso pienso que en ese aspecto, a Carnahan se la ido la olla completamente. El asunto se le ha ido un poco de las manos y eso que el guión es francamente provechoso.

Donde Carnahan se luce mejor es en los momentos más trepidantes, donde la acción sucumbe a toda racionalidad (la escena de la motosierra es una prueba de ello). También algunas escenas de tensión, como varias de las que se suceden en un ascensor, están bien logradas. Estas escenas consiguen captar nuestra máxima atención y nos mete de lleno en todo el fregado que se está montando.

Y luego viene cuando realmente empezamos a dudar de las intenciones del director. Porque si hasta el momento todo había sido acción y cachondeo, en los últimos 20 minutos la cosa da un giro drástico y el dramatismo hace acto de presencia.

No es que ese dramatismo se haga molesto, simplemente es que no cuadra demasiado con el ritmo que la película llevaba.

Estos momentos están solventados de forma aceptable (como ya se hizo en Narc) tanto por el buen tratamiento que Carnahan le impregna como por las actuaciones de los actores. Aquí felicito tanto a Jeremy Piven como a Ryan Reynolds, que en su poder están los personajes más elaborados y el deber de sacar a flote toda la función que Carnahan a montado.

En el lado opuesto, tenemos a un obeso y venido a menos Andy García, que está de pena en su papel y pasa a englosar esa lista de buenos actores en horas bajas, en las que figuran nombres tan ilustres como Jeremy Irons, John Malckovich o Christopher Walken. Una pena, la verdad.

Luego está la cantante y “quiero ser actriz” Alicia Keys, que está bastante sosa, lo cual ya era de esperar. Llega un momento que uno se cansa de ver tanto artista musical intentando hacerse un hueco en Hollywood. Mejor que dejen de dar el cante y se dediquen a lo suyo.

Ray Liotta hace lo que puede con su personaje. Tampoco es que los demás personajes están mejor elaborados que el suyo, salvo destacando sus características principales, pero es que de Liotta uno se esperaba algo más.

El resto del elenco está correcto en base a lo que les ha tocado representar. También se agradece, y mucho, que la intervención de Ben Affleck sea más bien anecdótica. Verlo demasiado tiempo en esa jaula de grillos se me hubiera antojado insoportable.

Las sorpresas finales, porque las hay (como en todas las películas que se hacen ahora), están bien introducidas gracias a un guión competente y a no intentar tomar por tonto al espectador, como hacen muchos otros directores. Puede que alguna se viera a venir (almenos para mí), pero no merman el desarrollo de la historia, sinó que le dan un nuevo empuje.

Y hasta aquí mis impresiones. Realmente no se muy bien como valorar esta película. Primero me aburre y luego me distrae. Pero ese entretenimiento también se vuelve confuso cuando el equilibrio entre disparos, sangre, furcias, chistes, tacos, traiciones, persecuciones y lágrimas se va al traste por culpa de situaciones ilógicas, absurdas y sin ningún tipo de fundamento que Carnahan intenta colarnos como si fuera algo genial.

Smokin' Aces puede gustarte si tienes claro que estás contemplando una chorrada descomunal que solamente prentende entretenerte. Pero si buscas el peliculón que creías que se escondía tras el jugoso trailer, lo único que encontrarás será una decepción con mayúsculas.

Carnahan nos ha servido un truco de mágia que juega con la comicidad del espectador. Esa comicidad pende de un hilo muy fino que se puede romper si dicho espectador no se deja embaucar por los malabarismos visuales de los que Carnahan hace gala.

Por cierto, los seguidores de la serie “Perdidos” (no es mi caso) podrán ver a uno de sus actores (Matthew Fox) haciendo un breve y curioso cameo.

Lo mejor: Un guión bien estructurado aunque desaprovechado en su ejecución; unas buenas interpretaciones de Jeremy Piven y Ryan Reynolds; las escenas de acción.

Lo peor: Las situaciones absurdas que no vienen a cuento y que no aportan nada a la trama; el humor que apenas hace gracia salvo momentos puntuales; la pérdida del ritmo narrativo durante la primera mitad de la película.

Valoración personal: 2,5 sobre 5 (Regular)

Verano de corrupción, abriendo la caja de Pandora

¿Qué harías si descubrieras que tu vecino es un ex-nazi perteneciente a la antigua S.S.?

Pues eso mismo es lo que nos plantea esta película.

Después de dirigir la magistral “Sospechosos habituales” y antes de enfrascarse en el mundo marveliano de los X-Men, Bryan Singer se encargó de adaptar para la gran pantalla uno de los tantos relatos del gran Stephen King, “Apt Pupil/El alumno aventajado”. Y de que manera señores!

La película nos muestra una serie de sucesos que se van encadenando hasta llegar a eclosionar en un final contundente, como ya sucediera con “Sospechosos habituales”.

Singer dota la película de un aire escabroso sin necesidad de recurrir a efectismos baratos y gratuitos. La escena de las duchas, la de la marcha militar, la escena del gimnasio con la paloma por medio (nada relacionado con John Woo, no temais) o la escena del sótano, son una buena muestra de como Singer nos induce un profundo desasosiego que se apodera de nosotros incluso hasta los créditos finales.

La historia, para ser más concretos, gira entorno a Todd (Brad Renfro), un joven de 16 años -primero de su clase y apasionado por la Historia- que un día descubre que su anciano vecino (Sir Ian McKellen)es un ex-nazi. En vez de mearse en los pantalones, salir pitando a una comisaría u olvidarse del asunto y hacer lo que la mayoría de los adolescentes de su edad hacen, como ligar con chicas, acudir a fiestas y triunfar en el deporte pátrio de la escuela, Todd decide intimar con su enigmático vecino.

Interesado por el tema del Holocausto, Todd decide chantajear al viejo para que le cuente, de primera mano, los sucesos que tuvieron lugar durante esa trágica etapa de la historia, si no quiere ser delatado y acabar en prisión.

El viejo nazi acepta de mala gana. No obstante, Todd no sabe con quien se está enfrentando y como dice el dicho, quien juega con fuego, al final acaba quemándose.

A partir de ese momento, Tood y el viejo, alias Kurt Dussander, inician un duelo de titantes que ríanse ustedes de Wyatt Earp y los Clanton. El juego chantajista al que juegan ambos se convierte un arma de doble filo, también para ambos.

Los momentos más tensos van acompañados por una portentosa banda sonora que realmente nos facilita esa sensación de desasosiego que antes he comentado.

Singer imprime en el film una tonalidad grisacea, marronosa y a veces rojiza, que ayuda a percibir la crueldad de las escenas.

En cuanto a las interpretaciones, ni que decir que el maestro Ian McKellen está espléndido como el viejo nazi, con una mirada penetrante y absolutamente acribilladora. Pero el joven Renfro no se queda corto tampoco, haciendo suyo el personaje con una frialdad y contundencia inusuales en un chico de su edad.

También es agradecida la presencia de Elias Koteas, uno de esos buenos actores tan inmerecidamente desaprovechados en el mundillo hollywodiense. No es este el caso, por supuesto.

Su personaje, aunque breve, es crucial en los acontecimientos finales.

También tenemos a Ross Geller, o mejor dicho, al actor David Schwimmer, interpretando también un papel breve pero que ejerce una importancia muy significativa en el desarrollo de la historia y en su conclusión.

Con todo, una película muy recomendable. Un buen ejemplo de como se debe trasladar una obra de Stephen King al cine. Una cinta sobre el mal más puro y real que existe. Un mal que no proviene de una cinta de video, ni de una casa encantada, ni de un misterioso lago, sinó un mal que se encuentra en nuestro interior. La maldad que el ser humano puede ocultar detrás de la cansada mirada de un viejo o de la inocente mirada de un niño.

Ojalá Singer se dejara ya de superhéroes y siguiera regalándonos películas como éstas, que bien nos hacen falta.

Lo mejor: Las interpretaciones de Sir Ian McKellen y Brad Renfro; la inquietante atmósfera que Singer inprime en cada fotograma; el perfecto clímax que se mantiene desde el primer minuto hasta el final.

Lo peor: El desafortunado mostacho de David Schwimmer, aunque no su interpretación.

Valoración personal: 4 sobre 5

Las 5 películas más soporíferas que he visto en un cine

Como hoy no me apetece enrollarme mucho, he decidido hacer honor a ese spot televisivo -de una conocida marca de coches- que nos recuerda que a las personas nos encanta hacer listas.

Así pues, vuelvo a las andadas con una de mis listas de cine que en este caso surge a raíz de una noticia publicada en Prensa.com y que he conocido a través de, si se me permite las confianzas, mis compis de Tublogdecine.es.

Me entero pues, que una pareja alemana se quedó frita (dormida, sobada..) en una sala de cine después de ver una película (“En busca de la felicidad”, aunque creo que eso es lo de menos) quedándose sólos una vez cerradas las puertas del lugar. A las 4 de la madrugada tuvieron que ser sacados por los bomberos y la policía.

Y yo me hago unas preguntas sobre el suceso:

¿no era más fácil localizar a la persona que tuviera o pudiese acceder a las llaves para dejar salir a la pareja en cuestión, sin tener que llamar a los bomeros?

¿tanto sueño tenían, que no se despertaron cuando se encendieron las luces, la gente se levantó y se empezó a oír el murmullo de los espectadores y los ruiditos de pies pisando las palomitas del suelo?

Y ya la última pregunta ¿en Alemania no tienen acomodadores en los cines? Y si los tienen.. ¿habrán despedido ya al que no supo hacer su trabajo ese día?

Total, que he decidido hacer un ránking de las más aburridas, soporíferas, cargantes y en resumidas cuentas, inaguantables películas que he podido “disfrutar” en un cine.

Desgraciadamente, tengo la capacidad innata de no dormirme en una sala de cine (debe ser por lo incómodas que son las dichosas butacas de los cines a los que voy) por muy tostón que sea la película. Así que he tenido que sufrir todos y cada uno de los minutos de las susodichas, a riesgo de sufrir graves lesiones cerebrales (añadidas a las que ya tengo)

Dicho sea de paso, invito y animo a aquellos (pocos) que me leen, a que compartan con un humilde servidor, su propia lista nombrando aquellas películas que les hayan causado una profunda somnolencia.

Sólo cuentan aquellas vistas en cines :)

Mi lista:

1. Campo de batalla: La tierra (Roger Christian)

2. Alejandro Magno (Oliver Stone)

3. El reino de los cielos (Ridley Scott)

4. Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón)

5. Mimic (Guillermo Del Toro)

Y eso es todo por hoy.

Saludos ;)

Silent Hill, mucho ruido y pocas nueves

La verdad es que soy bastante reacio a ir al cine a ver adaptaciones de videjuegos, en menor medida, porque no juego a videojuegos y en mayor medida, porque en la mayoría de los casos los resultados son bochornosos (la estela dejada por “Super Mario Bros.” o “Doble Dragon” es muy, muy larga). Y después de ver ésta película, me alegra haberme ahorrado los 6 euros y pico que cuesta la entrada.

La primera ventaja con la que cuento, a mi juicio, es que desconozco totalmente el videjuego, por lo que me ahorro comparaciones absurdas entre el original (videjuego) y la película (cine, absolutamente nada que ver)

Así pues, me dispongo con cierto optimismo a pasar un mal rato ante “una de terror”. Pero para mí sorpresa, eso no ocurre.

Pero vayamos por partes, como diría Jack el Destripador (chistecito fácil, no me odieis por ello...)

De entrada, lo primero y realmente absurdo es la situación que nos lleva al siniestro pueblo que da título al film.

Una sufridora madre que ve como la salud y estabilidad mental de su hija se ven mermadas por las pesadillas de la susodicha y su peligroso sonambulismo (de aquél que te lleva hasta un acantilado y no hacia la esquina de la mesa del comedor, como les pasa a los demás sonámbulos)

Como la niña nombra el pueblo (maldito) de Silent Hill, a la madre no se le ocurre mejor idea que llevarla hasta allí (para que luego alguien se queje de las terapias de shock)

La excusa de diriguirse hasta el pueblo, es algo/bastante forzada, pero siendo una película de terror tampoco le ibamos a pedir peras al olmo. Eso sí, esa no será la única torpeza de la madre durante el transcurso de la película; aunque lo de darle esquinazo a una agente de policía, luego resultará no ser tan mala idea (aunque la agente no opine lo mismo)

Una vez llegados al pueblo, Gans (director también de la, para mí, gratificante “El pacto de los lobos”) nos mete de lleno en el misterio y la supuesta tensión que harán acto de presencia en lo que queda de película. Y es ahí, en ese rápido cambio de rumbo, donde yo encuentro el primer fallo.

Por mucho que la prota' grite y se esfuerce en encontrar a su hija, la empatía con el espectador brilla por su ausencia. Apenas conocemos nada de los personajes, de sus vidas, de sus interrelaciones...por lo que realmente nos importa un bledo la maldita niña y lo que pase con ella y su madre. Lo único que nos importa es saber que demonios pasó en el pueblo y el porque de las extrañas metamorfosis que se van sucediendo.

De ese modo, el pueblo en sí, que viene a ser un (vital) personaje más de historia, se convierte en el protagonista absoluto, ensombreciendo los supuestos personajes protagonistas, cuyo tratamiento es meramente superficial. Por no hablar del personaje de Sean Bean (el padre/esposo), que está ahí como un elemento más del atrezzo.

Pero no todo es malo. Si por algo destaca “Silent Hill”, es por su cuidada estética y por unos efectos especiales de verdadero lujo, obra del talentoso especialista Patrick Tatopoulos (Independence Day, Godzilla, Underworld, etc)

El mundo macabro en el que nos sumergimos poquito a poco cobra una fuerza apabullante que realmente puede sobrecojer al espectador.

Existen, a lo largo del film, momentos muy logrados, como la escena que transcurre en el lavabo con el ente de turno (no contaré más para no destripar nada a nadie) o dos de las escenas finales del film: cuando se encuentra frente la puerta del “mal”; o la masacre final.

Realmente, en el apartado técnico (ambientación, efectos visuales...) no encuentro ninguna pega, es más, me aprece magistral. Lo malo, es que ello no se sustenta con una buena historia ni con un buen desarrollo.

El misterio que hace a uno moderse las uñas y que debería ir esclareciendóse de forma pausada, se nos resuelve de la forma más atropellada y chapucera posible. Todo el cierto encanto que envolvía el film se va al traste cuando ¡SPOILER! la niña maldita nos cuenta enterita toda su historia, como si una voz en off nos estuviera leyendo el catálago (guía, manual o como se llame) del videojuego.

En cuestión de segundos, el misterio se nos revela. Dicho sea de paso, la historia en sí es bastante absurda y no hay por dónde cojerla (que no es lo mismo que no entenderla, aclaro).

Eso me hace pensar si realmente cualquier videjuego puede ser trasladado a la pantalla por el simple hecho de ser un éxito de ventas. Eso sin nombrar las adaptaciones de juegos de lucha, que historia...más bien tienen poco o ninguna.

No se si en este caso, la historia ha sufrido cambios o variaciones respecto al videjuego, pero para mí, como película, no tiene razón de ser.

Si esto fuera un videoclip de Marilyn Manson me levantaría del sillón y aplaudiría con gran entusiasmo, pero como la película que es, me parece un mero ejercicio de excelente virtuosismo visual pero de profundo vacío argumental.

Christophe Gans se preocupa más, como ya he dicho, del aspecto visual, que de la propia (floja) historia.

Por suerte, las interpretaciones son correctas: a Radha Mitchell ya se le daba bien eso de pasarlo mal, sino véase “Pitch Black” (película de la que jamás se debió hacer una secuela...como la que tuvo), dónde su personaje era más inteligente y tenaz. Sean Bean también cumple con su escaso cometido; y es que es una lástima que un actor con su talento -relegado casi siempre a papeles de antagonista- se preste a hacer de chico bueno en la película equivocada. Y Laurie Holden, con un cambio de look sorprendente, hace gala de sus atributos físicos y además nos muestra a una valiente agente de la ley creíble y sobretodo humana (y eso en un agente de la ley, es un milagro)

También es de agrecer que aún siendo una película de terror con el típico pueblo fantasma, tanto director como guionista nos ahorren un montón de tópicos ya manidos en el género, que bien podrían haber tenido su hueco y que nos hubieran entorpecido el suspense surrealista de la película.

Con todo ello y teniendo como referencia otras adaptaciones hechas hasta la fecha, “Silent Hill” se erije como una adaptación ciertamente lograda, pero que como película de terror propiamente dicha, ni asusta ni sorprende. Por lo tanto, a mi no me convence.

Admito que soy muy exigente, pero si la película que me ocupa no tuviera ese halo pretencioso que la recubre, quizás me hubiera resultado más amena.

Christophe Gans ha pegado el bajón al viajar al otro lado del charco, pero aún así, apunta alto. Estaremos a la espera de que le den un buen guión :)

Lo mejor: La magnífica recreación de un mundo macabro y tenebroso de la mano del genial Tatopoulos; ver a Laurie Holden embutida en un sugerente uniforme; algunos logrados momentos de tensión; la (buena) repercusión que pueda tener para futuras adaptaciones de videjuegos (de la que DOA no ha aprendido nada y de la que espero que Paul W.S. Anderson tome nota para hacernos más llevadera su particular versión de “Castlevania”)

Lo peor: Un guión un tanto absurdo y engañoso; un final francamente insulso e inadecuado; ver al bueno de Sean Bean metido en un berenjenal ajeno; las excesivas pretensiones de las hace gala el producto.

Valoración personal: 2,5 sobre 5 (Regular)

Rocky Balboa, el regreso de un mito

Tras 16 años de ausencia, Rocky/Stallone ha vuelto a subirse al ring para demostrar que aún le quedan golpes que dar y filosofias que enseñar.

La emoción que siente un servidor al estar en una sala de cine escuchando la estupenda composición de Bil Conti en Dolby Surround, no puede ser descrita con palabras. El “Gonna Fly Now” envuelve la sala y en ese preciso instante empiezas a revivir esa nostalgia cinéfila que tenías guardada bajo llave.

Lo primero y más importante, es señalar que “Rocky Balboa” no es una película de boxeo al uso, sino una película sobre un boxeador (o ex-boxeador).

Stallone nos presenta a un viejo Rocky anclado en el pasado, un Rocky que matiene una lucha interior por volver a sentirse bien y dejar de vivir en los recuerdos de una vida que una vez tuvo (su grandes éxitos en el ring, su amada esposa...)

Ahora el sr. Balboa es un tipo de que se encarga de su “ristorante” -cuyo nombre ya nos hace echar una mirada atrás-, de cuidar a sus viejos amigos y que trata de arreglar la fría relación que mantiene con su hijo. Este viejo Rocky, algo abatido, algo cansado, se plantea regresar al ring, aunque no de forma profesional, claro. Necesita volver a pelear, hacer lo que de verdad sabe hacer y lo que de verdad le llena. Y por descontado que tendrá su oportunidad.

Durante el visionado de la película me ha sido imposible no relacionar las similitudes del personaje con su actor. Y es que ambos han vuelto para callar a algunas bocas. Rocky nos demuestra que puede subirse a un ring y pelear con las mismas ganas y la misma rabia de siempre; y Stallone, que puede seguir congregando a sus seguidores a una sala de cine (algo que parecía muy dificil, teniendo en cuenta sus infestas últimas apariciones)

Stallone no será un Eastwood detrás la camara ni será un De Niro delante de ella, pero tiene el honor de firmar con dos nombres propios, Rocky y Rambo, la historia del cine americano, sea para bien o para mal y pese a quien le pese.

Se nota además, que Sly ha hecho esta película con cariño. “Rocky Balboa” conserva el espíritu de su primera aparición en pantalla. Para quien desconozca la historia del potro italiano, puede ver “Rocky” de 1976 y luego seguir con “Rocky Balboa” de 2006, obviando perfectamente sus secuelas intermedias. Y es que si para algo tiene razón de ser esta película, es para dejar a nuestro púgil cinematográfico más famoso como bien se merece: con un grato sentimiento de autosuperación, sin que el odioso orgullo patriotero nos dañe la vista como hicieron sus antecesoras Rocky IV y Rocky V.

Si que es cierto que en algunos momentos se peca de un exceso de moralina, pero eso no empaña el disfrute de una película emotiva, con sentimiento tras cada palabra y tras cada imagen. Dicha emotividad pierde algo de fuerza en los últimos minutos de metraje en donde la adrenalina hace acto de presencia y donde el combate final se convierte en algo intencionadamente memorable.

El sr. Stallone rueda con eficacia el combate final, con un juego de blancos y negros y con los ya manidos flashbacks intercalados entre golpe y golpe.

Algunos incluso hemos echado de menos escuchar el gran “Eye of the tiger”, pero eso se ha visto compensado rememorando escenas como el ascenso por las escaleras del museo de arte (con Punchi incluido), los entrenamientos con Paulie y algún que otro guiño más, que el buen espectador/fan agradecerá, sin duda.

Con “Rocky Balboa”, Stallone se ha quitado esa espina clavada y ha demostrado que a sus 61 años aún puede lucir músculos sin ningún pudor (algo que ya quisiera el Gobernador de California) y que puede codearse en taquilla con magos, héroes de guerra, adolescentes con superpoderes y antiguas civilizaciones.

No estamos ante una gran película pero sí una buena película, con buenas intenciones y menos pretensiones de las que se esperaban. Efectista pero bien resuelta. Fantasiosa pero agradable.

Los minutos se pasan rápido y satisfactoriamente, tanto si eres un fan como si es la primera vez que oyes el nombre de Rocky.

Lo mejor: Un Rocky creíble con el que empatizas desde el primer minuto; una buen combate final; el tratamiento de los momentos álgidos del film sin necesidad de caer en el ridículo; el humor dosificado; el “buen rollito” que inunda todo el film.

Lo peor: Algunos personajes como “Steps”, poco definidos y que aparecen con la misma rapidez con la que desaparecen; la moralina de saldo de algunos momentos; que tuvieramos que sufrir “Rocky V” para poder disfrutar de “Rocky Balboa”.

Puntuación: 3 sobre 5

“Carlito's Way”, atrapado por De Palma

Carlito's Way, o como aquí en España se tituló, “Atrapado por su pasado”, es una excelente película de Brian De Palma y es de obligado visionado para todos los amantes del séptimo arte.

Para empezar, una breve sinopsis para el que desconozca esta imprescindible pieza.

Carlito Brigante es un ex-traficante de heroína que acaba de salir de la cárcel dispuesto a empezar una nueva vida alejada de la delicuencia. Pero ese nuevo camino a seguir no será nada fácil.

El mundo que le rodea ha cambiado pero la violencia, las mafias y el negocio de las drogas siguen estando presentes y siguen acechándole a cada paso que da.

Como bien nos indica su traducción española, Carlito es un tipo atrapado por su pasado. Su lealtad hacia sus amigos y la lealtad de estos hacia él serán su perdición.

Carlito's Way no es solamente una película de mafias o una película sobre una historia de amor, ni siquiera sólo sobre la violencia o el mundo de las drogas; sinó que es una película sobre la lucha que emprende un hombre por alcanzar su sueño y lo amarga que se vuelve esa lucha.

De Palma nos presenta el film de forma contundente mediante el desenlace final de Carlito y, aún así, consigue durante todo el film, tenernos enganchados a la trama sin pestañear.

Sus vertiginosos movimientos de cámara y sus arriesgados planos son marca de la casa y la secuencia de Grand Central Station es una brillante muestra de efectividad tras la cámara.

Un buen guión y un Al Pacino pletórico son, sin duda alguna, las armas con las que cuenta su director para narrarnos una dura historia de supervivencia en esa jungla de asfalto que son los barrios bajos de la década de los 70.

Unos 140 min. aprox. que en nigún momento se nos hacen largos. De Palma aprovecha cada uno de los minutos con los que cuenta para darnos una lección de cine.

Un mundo nefasto plagado de seres despreciables son la muestra evidente de cada uno de los obstáculos que Carlito debe ir superando si quiere convertirse en un nuevo hombre.

Incluso la cara más dulce y tierna de ese mundo, el amor por su amada, son la prueba de vida que Carlito debe superar con éxito.

Ser un ex-traficante, moverse en un mundo de mafias y drogas y llevar un local nocturno llamado “El Paraíso”, no es una tarea nada fácil para un hombre que quiere reformarse, y más si el abogado que te sacó de la cárcel se ha vuelto un mafioso y un cocainómano acabado.

Y ahí radica otro de los puntos fuertes de la película. Un físicamente irreconocible Sean Penn nos deleita con una de sus soberbias interpretaciones.

Violencia, amor, lealtad, traición...una mezcla ensamblada con eficacia y sin que ninguna de las partes pierda su aliciente ni su peso en el desarrollo de la trama.

Una música que nos arrastra al dramatismo y a la emotividad de cada una de las escenas en las que hace acto de presencia.

Si ésta no es la mejor película del mejor De Palma de antaño, es porque ahí están sus “intocables”.

Elegir entre Elliot Ness y cia y el sr. Brigante es muy dificil. Y no nos olvidemos de “El precio del poder”.

A ver cuando recuperamos al mejor De Palma, que parece que nos abandonó hace tiempo.

Recomiendo ésta película a aquellos que les gusten las historias bien contadas y a aquellos que últimamente se pregunten porque una vez se enamoraron del séptimo arte. Quizás viendola, recuperen esos motivos que una vez les llevaron a amar el cine.

Si vale, ha quedado un poco exagerado, pero es que ésta película es del 93 y ahora apenas se hacen excelentes películas como esta. Ahí queda la cosa.

Lo mejor: el brillante pulso de De Palma para contarnos la historia sin perder un ápice de fuerza en ningún momento; las interpretaciones de Al Pacino y Sean Penn; la persecución en Gran Central Station, memorable.

Lo peor: Absolutamente nada.

Puntuación: 5 (sobre 5)

“Apocalypse Now”, el remake

Sin duda, la gota que colma el vaso.

Hartos nos tienes estos de Hollywood de llenarnos las carteleras de insulsos e innecesarios remakes. No sólo no se han quedado a gusto con destrozarnos míticas películas de terror como “La Profecía” o “La niebla”, sino que ahora preteden tirar del “terror real” con una de las grandes obras maestras del cine moderno.

¿Es que hay alguien ahí o aquí que piense que “Apocalypse Now” se puede mejorar?¿?

¿Qué será la próximo, un remake de “2001: Odisea en el espacio”?

No sólo me indignaba oír que se está realizando el remake de “Armas de mujer” y que se prepara otro para esa gran muestra de terror llamada “La cosa” (¿tito Carpenter, no has escarmentado aún?). Pero esto se lleva la palma.

A parte de lo obviamente innecesario del remake, olga decir que a estas alturas a quién le puede interesar revisar la guerra de Vietnam. Ahora lo que está de moda es hablar de Irak, sino que se lo digan al pobre tito Eastwood.

Por lo visto, aún se está hablando del proyecto y de quién podría hacerse cargo de la dirección. En este caso, Coppola se reservaría las funciones de productor.

Por lo visto, se le había ofrecido la silla de director a Scorsese, por la amistad que une a ambos directores y por el indudable talento de este gran señor. No obstante, éste ha declinado la oferta (menos mal!) ¿Cual será el siguiente en la lista?¿

Puestos a opinar, yo voto por poner a Walter Hill xD

Aún hay tiempo para que declinen la oferta muchos más, ya que se está pensando en iniciar el rodaje a partir de mayo de 2007, fecha límite impuesta por la United Artists. Y la fecha de su estreno, si no hay retrasos de última hora, podría ser para otoño del 2008.

Y por lo que al reparto se refiere, han sonado nombres como Harrison Ford, Robert Reford y Harvey Keitel, aunque de momento ninguno a confirmado su presencia en el proyecto. También podría volver Martin Sheen, aunque interpretando otro personaje, claro.

Incluso se rumorea la aparición de Adama Sandler, quien por lo visto se ha interesado por alguno de los papeles principales. Por Dios, Adam Sandler?? Bueno vale sí, quizás quiera alejarse de su viz cómica, como han hecho Robin Williams o Jim Carrey. Pero de veras alguien se lo imagina metido en pleno Vietnam sin hacer ninguna gracieta de las suyas?

En fin..no se cuales pueden ser los motivos por los que se quieren destruir clásicas películas de Hollywood. Lo que podrían haber hecho es una adaptación más fiel a la obra de Conrad, cuyos sucesos se ambientan en la África de finales del siglo XIX. Pero un remake?

La mayoría sabemos que los remakes tienen una efectividad del 10% (o menos). La mayoría de ellos acaban fracasando, por muy buenos que sean los antecendentes. De esto saben muy bien los responsables de “Todos los hombres del Rey”.

Aunque la industria hollywoodiense es capaz de todo, estoy seguro que este remake es inconcedible y jamás se hará. Adivinais por qué?

Saludos ;)

P.D.: No he podido resistir la tentación

Cine-Balance 2006

En estas fechas cercanas al fin de año, lo suyo es hacer un balance de lo que el 2006 ha dado de sí, en lo que al aspecto cinematográfico se refiere.

Dado que mis visitas a las salas de cine han sido escasas, prefiero no recurrir al típico listado de lo mejor y lo peor del año. Otros lo han hecho ya en sus blogs y muy bien, por cierto (saludos a Yul., Boody y cia)

Prefiero dejar en el aire un listado de las incógnitas que a un servidor le atormentan con cierta frecuencia (llámalas incógnitas, llámalas preguntas retóricas :P)

Ahí va la lista xD:

¿Por qué Charlize Theron desaprovecha sus virtudes (físicas e interpretativas) en despropósitos como “Aeon Flux”?

¿Por qué Nicolas Cage ha perdido el criterio para elegir según que papeles?

¿Por qué Spielberg y Lucas siguen zarandeándonos con rumores de una muy poco probable cuarta entrega de Indiana Jones?

¿Por qué, después de que los actores españoles se quejaran de la poca inversión que hay en el cine español, grandes producciones como “Alatriste” se convierten en una decepción para gran parte del público y de la crítica (a pesar de su elevada taquilla)?

¿Por qué el departamento de cultura alemán sigue subvencionando a Uwe Boll?

¿Por qué Hollywood se empeña en destrozar clásicos del cine con, en su mayoría, insulsos e innecesarios remakes?

¿Por qúe productos de Disney directos a DVD como “Bambi 2” se estrenan en cines?

¿Por qué el estreno de “Banderas de nuestros padres” de Eastwood se ha retrasado hasta enero del 2007?

¿Por qué los hermanos Wayans siguen perpretando atrocidades delante y detrás de las cámaras sin que nadie les diga nada?

¿Por qué sigue llegando cine de terror japonés a nuestras carteleras, si está claro que ya ha perdido el gancho (y la calidad) de sus primeras incursiones en el mercado español?

¿Por qué Renee Witherspoon es la nueva “Novia de America” tras una buena interpretación en “En la cuerda floja” y un currículum de lo más risible?

¿Por qué la Academia de Cine americana sigue negándole un Oscar a Martin Scorsese?

¿Por qué Beyoncé Knowles sigue empeñada en hacer carrera en la industria del cine?

¿Por qué la pareja Tom Cruise&Katie Homes resulta tan pedante y detestable?

¿Por qué “Buenas noches y buena suerte” de George Clooney no otuvo ninguna recompensa en los Oscars de 2006?

¿Por qué la industria de cine española, en particular, y el público español, en general, sigue apostando por cosas cómo “Isi/Disi: Alto Voltaje”?

¿Por que Harrison Ford sigue insistiendo en sus papeles de “gran héroe americano” y “buen padre y mejor esposo”, salvo en contadas ocasiones?

¿Por qué los raperos, más o menos famosos, siguen empeñados en ser actores?

¿Por qué una aclamada obra teatral como “Los productores” fracasa en su adaptación cinematográfica?

¿Por qué dentro del cine europeo, países como Alemania, Reino Unido o Francia siguen ganándonos por goleada?

¿Por qué simplemente con pronunciar el apellido “Tarantino”, la crítica se divide en dos bandos claramente opuestos (los detractores abusivos y los aduladores excesivos)?

¿Por qué se ha hecho una innecesaria secuela de “Instinto Básico” pasados unos largos 14 años?

¿Por que las distribuidoras españolas siguen destrozando el cine de animación con los aberrantes doblajes de los famosetes de turno? ¿Y por qué el doblaje de los personajes extranjeros en las películas americanas sigue siendo tan nefasto (Casino Royale, El último Samurai)?

¿Por qué la unión de Richard Dooner (Arma Letal) y Bruce Willis (Jungla de Cristal) en “16 calles” no ha dado mejores resultados?

¿Por qué Wesley Snipes ha acabado compartiendo estanterías del videoclub con Steven Seagal y Van Damme?

¿Por qué Tom Hanks se empeña en aparecer en productos tan polémicos como vacios, tales como “El Código Da Vinci”?

¿Por qué Bryan Singer abandonó X-Men para defraudarnos a todos con su remake no-oficial llamado “Superman Returns”?

¿Por qué el guión de “X-Men 3: la decisión final” es tan apocalíptico y desfasado?

¿Por qué Robert De Niro ha aparecido en productos impropios a su innegable talento?

¿Por qué la infumable “Ultravioleta” de Kurt Wimmer se ha estrenado en cines españoles y su ya película de culto “Equilibrium” (2002) no lo ha hecho aún? ¿Y por qué Milla Jovovich sigue emperrada en dedicarse a papeles de heroína futurista, haciéndolo cada vez con menos expresividad?

¿Por qúe hay tantas películas de animación CGI por año, siendo muy pocas buenas películas?

¿Y por qué están publicitando “Los Simpson. The Movie” como una película meramente 2-D, si la gran mayoría sabemos que eso no es del todo cierto?

¿Por que se ha hecho una tercera parte de “A todo gas”?

¿Por qué las comedias familiares protagonizadas por Tim Allen son tan horribles?

¿Por qué Tony Scott es tan bueno a veces y tan malo otras?

¿Y por qué Ridley Scott hace cosas tan edulcoradas e inncesarias como “Un buen año”, que cumple a rajatabla todos los tópicos de las comedias románticas más simplonas?

¿Por qué las adaptaciones de videojuegos siguen siendo, en mayor medida, tan flojas?

¿Por qué se sigue explotando el filón de los superhéores, si tres de cada cinco estrenos son fracasos en taquilla? Y por qué les vale ya cualquier superhéroe, aunque no lo conozca ni el tato?

¿Por qué titularon en España (como no) “The Breed” por “Aullidos”, si no tiene nada que ver -gracias a Dios- con la excelente obra de Joe Dante?

¿Por qué no han matado los personajes Orlando Bloom y Keira Knightley en Piratas del Caribe, si la mayoría los detestamos?

¿Por qúe existe una secuela de “Garfield”?

¿Por qué hay 3 películas de animación diferentes, con hormigas de protagonistas?

¿Por qué los documentales no se estrenan en más cines, de igual modo que lo hacen las películas?

¿Por qué cuando en Hollywood se habla o rumorea sobre un proyecto importante, siempre salen a relucir los mismo nombres: Peter Jackson, Sam Raimi o Guillermo Del Toro?

¿Por qué algunos directores están tan sobrevalorados? (Ponédle vosotros mismos nombres y apellidos)

¿Por qué “The Guardian” nos recuerda a tantas otras películas?

¿Por qué “A Scanner Darkly” y “Brick” se han estrenado en tan pocas salas de cine?

¿Por qué Alfonso Cuarón recurre y desperdicia el talento de Julianne Moore para tan escaso papel en “Hijos de los hombres”?

¿Por qué tan pocos se atreven a criticar la última película del cineasta Bigas Luna, “Yo soy la Juani”?

¿Por qué en España unos cuantos impresentables siguen titulando las películas extranjeras de tan mala manera?

¿Por qué a tantos les extraña las aptitudes de Mark Walhberg? ¿Es que nadie ha visto “Rock Star”?

¿Por qué Woody Allen quiere estrenar una película por año, en vez de tomarse su tiempo para evitar altibajos en su filmografía?

¿Por qué Jordi Mollá es tan histriónico en todas sus interpretaciones?

¿Y por qué ser tan exagerado en España da tan malos resultados (Jordi Mollá, por ejemplo) y en Estados Unidos tan buenos (Jack Nicholson, Johnny Depp, Al Pacino, Gary Oldman...)?

¿Por qué “Borat” gusta tanto a los americanos? ¿Será el “efecto Torrente”? ¿Quizás es que saben reirse de ellos mismos? ¿Entonces porqué abuchean tanto a Michael Moore?

¿Por qué hacer de Daniel Craig un nuevo Bond, pudiendo crear una nueva, diferente y mejor franquicia? ¿O acaso eso sería saturar el mercado de agentes secretos?

¿Por qué Penélope Cruz es una mala actriz en América y una buena actriz en España?

¿Por qué se debe seguir explotando el filón de las novelas fantásticas, viendo el fracaso de “Eragon”?

¿Por que Cameron Díaz lleva años y años sin hacer una buena película? ¿O acaso no ha hecho ninguna buena película, a parte de “La Máscara”?

¿Por qué Jennifer Aniston obtiene tan desfavorables resultados en taquilla en productos hechos para su lucimiento?

¿Por qué el teaser póster de “The Good German” de Soderbergh es tan descaradamente parecido al póster de “Casablanca”?

En fin, estas son (creo) todas las preguntas que me vienen a la cabeza en el 2006.

Se que son muchas y que algunos os habreis cansado de leer al llegar a la mitad de la lista (o antes) xD

Pero bueno... espero que a lo largo del 2007 algunas de ellas deje de preguntármelas. Eso será un buen indicador.

Gracias a los que os habeis pasado por aquí y habeis dejado vuestras opiniones.

Y a los que no, no importa. Yo seguiré aquí con mis perturbaciones personales xDD

Saludos y Felices Fiestas a todos ;)

Mentes en blanco ¿las de guionista y director?

Sinopsis:

Cinco hombres se despiertan encerrados en un almacén, sin que ninguno de ellos recuerde cómo llegaron allí ni quiénes son. No tardarán en darse cuenta de que han participado en un secuestro, sin saber si son secuestrados o secuestradores. [...]Poco a poco, los hombres intentan reconstruir el puzzle de sus últimas horas y, al hacerlo, comienzan los conflictos y los retos. ¿Cómo se puede saber en quién confiar, si ni siquiera sabes quién eres?

(Extraída de filmaffinity)

La verdad es que tenía ciertas esperanzas de encontrarme con un film que, al salir de la sala del cine, me dejara plenamente satisfecho. Pero tendrá que ser en otra ocasión. (hasta ahora, solamente lo ha conseguido Scorsese con su apoteósica “The Departed)”

Al terminar su visionado, la sensación que a uno le queda es más bien agridulce.

Por una parte, su planteamiento (obviando ciertas similitudes con “Saw”) y su reparto, son sus mejores bazas.

La idea preconcebida que tenia del film se fue al garete en menos que canta un gallo, lo admito.

Cierto es que hay que evitar ciertas espectativas hacía lo que vas a ver, pero en este caso opino que el fallo recae en el desarrollo de la trama y no en mí. Y por qué digo esto? Pues porque el misterio en que se basa toda la película se resuelve de forma muy rápida, en apenas unos 45 min. (más o menos, no lo tengo cronometrado :P). Y son esos 45 minutos los mejores de la película, diría yo.

Desconfianza, desesperación, inquietud...son varias de las sensaciones que sufren los personajes. La tensión que debería sentir el espectador ante tal situación brilla por su ausencia. Y es que el hecho de ir alternando diferentes espacios (lugares dónde transcurre la acción, para ser más exactos), hace que decaiga ese hilo conector que debería unirnos a dichos personajes.

El público deja de ser un espectador más, para convertirse en una especie de Gran Hermano. La información que recibimos es excesiva, y el misterio se apaga tan rápido como la llama de una vela de cara al viento.

Si el director no es capaz de crear una catarsis suficientemente activa y duradera a lo largo de la película, el espectador queda irremediablemente alejado del desasosiego general que se pretende evocar con ella.

Y eso, unido a la resolución relativamente inmediata del enigma que une a los personajes, hace que la cosa pierda fuelle y quede en un mero intento de buena película.

Podriamos decir que es en los actores donde reside el mayor logro. Incluso la sobriedad habitual de Cazievel está justificada en este caso.

Todos y cada uno de ellos (Jim Cazievel, los siempre efectivos Greg Kinnear y Joe Pantoliano, Barry Pepper, Jeremy Sisto, Bridget Moynahan y Peter Stormare) cumplen con su papel.

Personalmente, hubiera preferido un mayor protagonismo de Stormare, cuya carismática presencia queda reducida a escasos minutos. Aunque eso es bastante lógico, teniendo en cuenta que el protagonismo recae principalmente en los “amnésicos”.

Con todo ello, insisto en que la película no es mala, sino que simplemente desaprovecha una idea, a priori, muy atrayente.

Se podría haber logrado un film mucho más interesante y efectivo. Aún así, hay que darle un voto de confianza a su novel director, Simon Brand, quien hasta ahora tan sólo había dirigido anuncios comerciales y videoclips (como tantos otros del gremio)

Su debut en el largometraje queda mermado, en parte, por un guión que adolece de ciertas incongruencias y de un final que nos deja con un mal sabor de boca, una sensación de vacío que ya venía precedida por los últimos sucesos acontecidos.

Aún así, si ya habeis visto en cines todos los estrenos anteriores, “Mentes en blanco” es, a mi parecer, la mejor propuesta de la semana, con sus defectos y virtudes.

Curiosidad:Como todo guiño que se precie en cualquier ópera prima, podreis comprobar la aparición de un conocido CSI televisivo. No doy más pistas, para no chafar la sorpresa :)

Lo mejor: La idea de la que parte; las interpretaciones; la ambientación.

Lo peor: El desperdicio de la propia idea incial; un guión tramposo; el desalentador desenlace final; la destacable delgadez de Bridget Moynahan.

Puntuación: 2,5 (sobre 5)

La Trampa del Caimán

Albino Alligator (La Trampa del Caimán)

En 1997, ese gran actor llamado Kevin Spacey, decidió sentarse en la silla de director por vez primera, con un thriller violento y angustioso llamado Albino Alligator, que aquí en España se tituló, sin hacernos demasiado daño -por suerte-, La trampa del caimán.

Para su debut detrás de las cámaras, Spacey, que no tiene un pelo de tonto, decidió rodearse de un buen elenco de actores, algo que sin duda eleva el film, en parte, por encima de lo pasable.

Y es que Faye Dunaway, Matt Dillon, Gary Sinise o Joe Mantegna nos aseguran, como mínimo, unas buenas interpretaciones, algo que luego podemos comprobar.

La historia nos cuenta como tres delincuentes de pacotilla se esconden, tras un robo fallido, en un bar llamado “El Bar de Dino, la última esperanza” (tremenda ironía se trae el nombrecito...) tomando como rehenes a todos los que allí se encuentran en ese momento.

Cuando los delincuentes se ven rodeados por la policía, la situación empieza a complicarse y las relaciones entre secuestradores y secuestrados se van tensando por momentos.

La premisa suena bien, y el ambiente claustrofóbico que impregna Spacey en la película no decrece en ningún momento.

La historia no es nada del otro mundo, pero está bien tratada. Los protagonistas están perfectamente retratados, por lo que la empatía se produce al instante. Unas rápidas pinceladas nos sirven también para conocer ligeramente al resto de personajes,entre los cuáles destaca un silencioso e intrigante Viggo Mortensen.

Los delicuentes se podrían clasficiar en: Gary Sinise, el cerebro del grupo y el más sensato; Matt Dillon, el joven temerario y William Fichtner, el loco psicópata.

Sinise, a pesar de volver a meterse en la piel de un personaje descarriado, nos ofrece a un tipo listo que por desgracia ha encaminado mal su vida. Tenemos a un Dillon que convence de sobras con un papel de tipo duro pero compasivo, algo que suele darsele bastante bien. Y Fichtner, uno de esos secundarios que a mí personalemente tanto me gustan, es un tipo rudo que no duda en recurrir a la violencia si la situación lo requiere (y sino, también). En definitiva, se nos presenta a un trío de perdedores que se meten en un fregado que les queda muy grande.

Y en la otra cara de la moneda tenemos al agente del FBI Joe Mantegna, que aún teniendo pocas escenas, nos regala un par de frases bien paridas; y una Faye Dunaway espléndida, una mujer dura y protectora que hace frente (con un buen par) a los miserables atracadores. Personalidad que a mí me ha recordado, en cierta medida, a la Meryl Streep de “Río salvaje”, aunque con ciertas debilidades añadidas.

Todos están en su salsa y se les nota a gusto con sus respectivos personajes. Y como ya he dicho, tanto el ritmo como los diálogos, nos mantienen pegados al sofá hasta que se nos desvela el desenlace de tan caprichosa situación.

Algunos podrían encontrar en el film ciertas similitudes con Reservoir Dogs, aunque debo decir que la violencia está bastante dosificada y no roba en exceso el protagonismo que bien se merece la propia trama.

A mi, en cuanto al trio de atracadores se refiere, me ha recordado bastante a Hostage, de Bruce Willis, salvando las distancias, claro. Y en cuanto a hechos y acciones/reacciones que se producen, también me ha venido a la memoria esa discreta pero interesante película llamada “Últimas consecuencias”, del eventual como director, Kiefer Sutherland (ahora el actor mejor pagado de la tv, que bien se lo merece)

Quizás la mayor pega que puedo encontrarle, es la floja relevancia que acaba teniendo el personaje de Mortensen en los últimos minutos del film. Cabe destacar que éste crea una punto de inflexión vital en la trama. Pero luego, esa importancia va perdiendo gas y el personaje en sí, pierde toda su valía.

Aún así, nos encontramos delante de una buena película.

El enfoque humano que se da por parte de ambas partes (rehenes y malechores) es lo más relevante de un film sin pretensiones pero eficaz en su cometido, que tanto es entretenernos como hacernos pensar. Pensar en los límites a los que llega el ser humano para hacer frente a situaciones complejas.

Lo mejor: Las interpretaciones de sus protagonistas principales; dos secuencias de William Fitchner: cuando relata el significado de “La trampa del caimán” y cuando sacude a Emmeth Walsh (con ese genial enfoque al póster de Humphrey Bogart); un final contundente a la par que poco esperanzador.

Lo peor: El desaprovechamiento final del personaje de Viggo Mortensen y de algunos golpes de efecto; la sosería a la que nos tiene acostumbrados Skeet Ulrich.

Puntuación: 3,5 sobre 5

Saludos

“Sus siervos” por fin en España!

Sabado 25 de Noviembre de 2006 – Deine Lakaien en concierto

Era la primera vez que Deine Lakaien vistaba España y yo no podía faltar a esa cita. Y sin duda, mereció la pena (algo que ya sabía de antemano).

Un gran concierto. De aquellos, como bien comentaba a un amigo, que disfrutaría mejor sentado en una buena butaca de un palacio de la música o de un teatro. Aunque ya sabemos que en estos lugares no se apuesta por la escena oscura.

Como decía, era la primera vez que Deine Lakaien se acercaba a nuestro país para deleitarnos con su esquisita música. Ayer estuvo en Barcelona y esta noche se pasea por Madrid.

Después del concierto, solo puedo deshacerme en halagos.

Un concierto acústico. Únicamente voz y piano ¿Para qué necesitamos más?

Una de esas pocas veces en que la música emociona por su profundidad y su calidez. La profunda voz de Alexander agudiza nuestras sentidos y nos envuelve como si de una espesa niebla se tratara.

Una voz serena y tranquilizadora que, no obstante, proviene de un hombre nervioso y plagado de tics, algo que me pareció muy curioso de observar. Y es que eso era lo que hacíamos: disfrutar y observar. Escuchar y sentir.

Además, también me resultó muy interesante, a la par que satisfactorio, darme cuenta de la cercanía que había entre Alexander y nosotros, su público. Nada que ver con esa sensación de divinidad que algunos pregonan por ahí. Entre él y nosotros no había ningún muro que nos separara, sinó un hilo conductor que nos unía con fuerza, la música.

Si tuviera que quedarme con un titular, sería el de “Concierto cercano”. Un concierto 100% disfrutable.

Y es que “sus siervos” estaban dispuestos a demostrarnos que ese concierto se nos haría inolvidable.

Empezar con el “Love Me To The End” ya nos predecía sobre lo que ibamos a escuchar. ¿Por qué empezar suave? Qué demonios! Empezamos a lo grande! XDD

No sólo se veía a Alexander disfrutar con lo que hacía, sinó que Ernst nos deleitaba con su piano con unas asombrosas y cautivadoras sinfonías. Cuando era necesario acariciaba suavemente las teclas para los momentos más melódicos y tranquilos, y cuando no, aporreaba con intensidad las cuerdas del piano (no olvidemos que también toca la batería) para hacernos vibrar de forma contundente.

Cada nota, cada sonido, cada pieza, todo en perfecta consonancia y sincronización. Tan meticuloso y perfecto como el mejor de los relojes suizos.

Es una lástima que no pueda acompañar esta entrada con fotos del acontecimiento, ya que una vez allí y tras hacer un par instantaneas, la bateria de mi cámara se agotó, algo que mi buen amigo Ricardo no me perdonará en la vida (ni yo tampoco). Y es una lástima, porque también ha sido uno de los pocos conciertos en los que he podido ver de cerca al artista en cuestión y sin que los “larguiruchos” de turno entorpezcan mi ángulo de visión, algo que me sucede con muchísima frecuencia.

Sinceramente, me resultó muy breve. Y si eso sucede, se puede decir que se ha disfrutado plenamente. Aunque me quedé con ganas de más, debo reconocer que esa hora y poco fue espléndida y espero que se repita pronto y no tengamos que esperar años en volver ha sentirnos cautivados por la portentosa y melódica voz de Alexander y la minuciosa precisión y ejecución de Ernst tras el piano. Siempre es un placer recrearse en el estado más puro de la música.

Saludos

Fraggle Rock. La Película !!

Cualquier veinteañero que se precie recordará, con dulce nostalgia, ésta mítica serie protagonizada por unos subterráneos teleñecos que explotaban a otros más pequeños que ellos para que les facilitaran la comida.
Pues la noticia es que la Jim Henson Company (creadora de la serie) tiene pensado realizar una película musical para -supongo- la gran pantalla.
Por lo visto, para el apartado musical han llegado a un acuerdo con Ahmet Zappa (hijo de Frank Zappa) para escribir las canciones del film.
De momento es un proyecto que aún no tiene guión y por lo tanto aún es pronto para hablar de fechas. No obstante, se sabe que la idea de la trama se basa fundamentalmente en las peripecias de estos extraños seres en el mundo de los humanos.
Lisa Henson, directora de la compañía, ha asegurado que intentarán llevar a cabo el proyecto alejándose de la participación de los grandes estudios.

Después de leer la noticia y tras calmarme del "momentazo nostálgico", me veo obligado a dar mi opinión, como es costumbre, sobre el tema en cuestión.

Primero decir que puede ser un acierto lo de que no se impliquen los grandes estudios, ya que por norma general, con este tipo de proyectos, las sucias manos de los magnates de la industria y sus capitalistas cabezotas suelen estropear todo lo que tocan. Véanse claros ejemplos de series de nuestra querida infancia que resultaron ser un estrepitoso fracaso una vez llevadas a la gran pantalla: Daniel el travieso, Inspector Gadget, Thunderbirds, Garfield o Scooby Doo o la secuela de Los Picapierda.

El fracaso radica principalmente (o eso creo yo) en pasar unos personajes de dibujos a personajes de carne y hueso. El caso más grave es el de los Thunderbirds, donde la gracia radicaba en las marionetas y ver la película con personas no tenía ni p..... gracia.
Si a eso añadimos que por norma general, el plantel de actores para encarnar los personajes no pega ni con cola, pues la cosa ya emana un tufillo considerable.
A quién demonios se le ocurrió la "genial" idea de que Mathew Broderick podría ser el perfecto Inspector Gadget y que podría luchar contra el crimen sin su sobrina ni su perro ayudante y más contra un malo que tiene por mano un jodido abrelatas; por no hablar de la homosexualidad que desprendía el antagonista. Que yo personalmente no tengo nada en contra de dicha orientación sexual, pero sí si se le adjudica al malo malote de ésta serie (cuyo rostro nunca se llegó a ver!!) pues la verdad es que me molesta un poquito.
Aunque para cutres, todos los actores de Scooby Doo y el churro del perro hecho con cuatro duros y pocas ganas. Y Daniel el travieso?? Que coñazo de chaval más repelente. Con lo bien que nos caía el de la serie (almenos a mí). Solamente se salvaba el ya desaparecido Walter Mathau, al que tampoco le pegaba demasiado el personaje.
Yo personalmente hubiera apostado, en el caso del Inspector Gadget, por el sr. Robin Williams. Creo que el papel le hubiera ido como anillo al dedo.

A parte de todo esto, el otro motivo es pasarse por el forro la trama de la serie y crear un guión a molde con lo que llaman las "nuevas generaciones". Si la gracia de estos proyectos es rescatar/recurrir a viejas series para tener productos que vender al público...¿no sería más lógico conservar el alma de las series y no inventarse cosas absurdas que nada tienen que ver con el original?

En fin, yo sólo espero que la adaptación cinematográfica de Fraggle Rock no sea un truño. De momento lo que me echa para atrás es lo de los fraggles en el mundo de los humanos.
Principalmente por dos motivos:

1º Se pierde la oportunidad de profundizar más en el mundo subterráneo de Fraggle Rock y poder mostrarnos cosas nuevas y más alucinantes que las limitaciones de la época y de presupuesto no permitieron años atrás.
Eso mismo ocurrió con la adaptación cinematográfica de He-Man y los Masters del Universo, cuya trama se desarrollaba en la Tierra. MAL!! Todos nos sentimos desilusionados al no poder contemplar el fantástico mundo de Eternia. Además, los personajes humanos eran insulsos y muchos personajes de la serie se eliminaron y otros se añadieron/inventaron sólo para el film.

2º Ver a los teleñecos en el mundo de los humanos puede acarrear en dos terribles consecuencias:
Hipotesis A: que los teleñecos pierdan cierto protagonismo frente a los humanos.
Hipotesis B: que en la trama metan al típico niño (o plural) repelente e insoportable que se hace amigos de estos pequeños seres a quienes querrá ayudar en sus arriesgadas aventuras. No se a vosotros, pero a mi este personaje infantil me carga mucho y me estropean bastante la película los típicos mensajes ñoños y semi-moralistas sobre la amistad y el valor del niño y de sus diminutos amigos.

Yo preferiría que subieran al mundo de los gigantes esos. Aunque quízas con el mundo de los humanos se refieran a eso...quien sabe (me da que no.. recuerdan al viejo del perro? Ese era el humano)

Luego el hecho de que sea una película musical....tampoco me convence mucho. Ya se que los teleñecos se implantaron en este mundo para cantar bonitas canciones pero....es que eso ya no se lleva. Es más, molesta un poquillo. Y si no que alguien vea Shreck 2 en dvd y me cuente si no tiene la tentación de pasar rapidito las escenas donde se ponen a cantar (ganas que me acontecieron a mí cuando la ví en el cine)
Teniendo en cuenta que Shreck 2 era más bien una película para adultos que para niños (muchos de los gags solo los pillamos los adultos ya que estaban hechos para nosotros), deberían haverse ahorrado el rollito musical, opino yo.


Total, que con éste tipo de noticias uno siempre anda acojonao' porque no sabe que puede surgir luego. Yo espero que tengan conciencia de lo que significó Fraggle Rock para muchos de nosotros y que se olviden de las tunneras y reggeatoneras nuevas generaciones, porque el público objetivo y al que de verdad le interesa el tema somos nosotros, los que nacimos y/o crecimos en la década de los ochenta.

Aprovechando que he hablado de teleñecos (marionetas de la tele en general) dejo aquí el link de una web en la que hay un Test para saber que personaje de Los Teleñecos eres.
A mí me ha salido Gonzo!! Genial! Además era mi preferido!

http://www.matthewbarr.co.uk/muppets/ (en inglés pero está chupao')

Quizás nos parecemos a aquellos personajes de la infancia que tanto nos gustaban. ?¿Lo que no entiendo entonces es porque no soy un rubio de cuerpo atlético y musculado que tiene el poder en sus manos?¿?

Ah! Como curiosidad de esas que uno apenas recordaba...decir que existió una versión de dibujos animados de Fraggle Rock, también en formato serie.

Hasta la llegada del film, podemos saciar nuestra nostalgia con los videos que Dios Todopoderoso Youtube tiene en su haver.

P.D: Michael Bay está destrozando la imagen Transformers!!! Quién demonios le otorgó los derechos a ese individuo!!!???
Y sobre una nueva versión de He-man....el proyecto está lejos de realizarse, almenos por ahora. Ni actores ni directores, por mucho rumor que se haya oído (no, John Woo, no). No hay ni guión!

Saludos ;)

Slither (La Plaga). Vuelven los 80

Esta película es, sin duda alguna, un claro homenaje al cine de terror gore (serie b y serie z) que tanto nos entretuvo y divirtió en la cada vez más lejana y deliciosa década de los 80.

Una década en que el cine nos ofrecía muchas películas sin más pretensiones que entreternos. Una época llena de buenas y originales historias, míticos personajes, geniales actores (y otros no tanto, pero eran minoría) y directores llenos de entusiasmo y ganas de hacernos disfrutar con sus películas y hacer que devorasemos las palomitas del cine como posesos. Y eso teniendo en cuenta que no siempre se disponía de elevados presupuestos ni de grandes campañas publicitarias (dios mio, no existía ni internet!)

Directores que empezaban (algunos se estrenaron en los 70, también hay que decirlo) y que se han ganado un rinconcito en nuestra memoria cinéfila junto con sus personajes, algunos de los cuales ya han hecho historia en el mundo del cine (Indiana Jones, Ash, Serpiente Pliskeen, la teniente Ripley, John McClane y muchísimos otros)

Slithe (la plaga) desprende un aire ochentero inconfundible. La historia es de lo más chorra y deudora sin duda de clásicos títulos como “La cosa, el enigma de otro mundo” o “The Blob, el terror no tiene forma”. Véase aquí una sinopsis:

Wheelsy es un pueblo soñoliento de Estados Unidos, pintoresco y tranquilo (como no). Un buen día un meteorito cae del cielo trayéndo consigo algo de otro mundo, un ente misterioso y terrorífico.

Algo extraño empieza a suceder en el pueblo y nadie parece darse cuenta hasta que el ganado aparece horriblemente mutilado y una joven desaparece sin dejar rastro.

En ese momento, el sheriff Bill Pardy y sus hombres descubren la existencia de una fuerza oscura que asedia el pueblo y a la cual deberán hacer frente con sus terrícolas armas.

Con esta premisa, la película promete casquería y humor negro a partes iguales. Un humor negro apoyado en las situaciones que se van produciendo y en especial en el personaje del sheriff Bill Pardy, interpretado por un acertado Nathan Fillion, otorgándole un carisma que si bien no supera el del mítico Ash de Raimi, se mantiene a la altura de las circunstancias.

El humor más cafre y cachondo, y no por ello menos divertido, recae en el personaje del deslenguado alcalde del pueblo, poniéndole cara el actor Gregg Henry (visto antes en la estupenda y violenta “Payback”). Este tipo logra, con a veces un soez taco, arrancarnos una buena carcajada (algo muy necesaro en estos tiempos que corren)

Aunque la película roce algunos tópicos del género, cabe decir que los personajes femeninos se alejan bastante del perfil chica-guapa-pechugona-tonta-histérica-gritona-metepatas (en este tipo de género, el tamaño de los pechos suele ser proporcional al nivel de estupidez de la chica en cuestión)

Las féminas del film son mujeres que dada la situación se endurecen y hacen lo que sea necesario para sobrevivir al ataque del ente alienígena. Mujeres valientes -y también guapas- que aportan su buen hacer en el transcurso de la acción. Lástima del doblaje español del personaje de Starla (Elizabeth Banks), que si bien no lo hace mal, la voz resulta adecuarse más al de chica pija y boba (estos dos adjetivos suelen ir siempre cogidos de la mano) y por lo tanto no resulta del todo acertada para el personaje. La verdad es que le quedaría mejor a cualquier personaje “interpretado” por Jennifer Tilly. xD

De hecho, huyendo de tópicos, los agentes de la ley del típico pueblo sureño y tranquilo de la america profunda, no son lo paletos y cazurros que cabría esperar.

También se rescata del olvido al actor Michael Rooker, haciendo aquí un papel clave para todo el desarrollo de la trama.

El director y guionista James Gunn (guionista también de la genial Amanecer de los muertos, remake de Zombie de Romero) nos deleita con escenas sangrientas y grotescas que harán las delicias de cualquier aficionado al cine gore. No obstante, estas escenas están bastante contenidas y no se abusa excesivamente de la casquería chorra y macabra, como sucede en films como en Braindead de Peter Jackson. (otro clásico, sin duda). A eso le añadimos un perfecto equilibrio entre efectos especiales a la antigua usanza (látex y esas cosas) con efectos digitales que en ningún momento desmerecen la calidad del producto.
Entre escena de acción y escena de acción, podemos disfrutar de momentos más intimistas entre los personajes, con acertados, divertidos y anecdóticos diálogos que no entorpecen en ningún momento el ritmo trepidante de la película.

Gunn firma un producto entretenido, divertido y honorífico. Una mezcla de aquellos clásicos del terror de serie B de la década que los vió nacer y brillar. Un film que mezcla clásicos engendros de otro planeta con zombies hambrientos de toda la vida.

Quizás la única pega que podríamos adjudicarle al film, es un final algo flojo respecto al resto de la película. En mi opinión le falta un poco de garra y se hecha de menos la espectacularidad clave que debe ofrecer el clímax final de este tipo de cintas.

Sin embargo, y con todo ello, La Plaga es un film muy disfrutable, que entretiene y se ve rápido. Quizás si se hubiera realizado en los 80, ahora hablariamos de él como gran clásico del género. Por desgracia, esto no es así, y en la época en la que estamos no deja de ser una mera anécdota, aunque eso si, interesante y simpática.

Gunn aprueba con nota alta su primer largometraje. Esperemos que esto sea el inicio de una larga y próspera carrera cinematográfica, sea cual sea el género que lleve a cabo.

Lo mejor: El humor negro que desprende el film; el giño a los clásicos del género; la sensación de retroceder en el tiempo y disfrutar como un enano viendo este tipo de películas.

Lo peor: Siendo un producto sencillo y sin muchas pretensiones, es díficil encontrarle algún defecto tan importante como para destacarlo aquí. Como mucho, decir que el final es un poco flojo, pero no por ello malo.

Lo peor peor es que pasara sin pena ni gloria en los cines (en los pocos en los que se estrenó duró apenas una semana) y sobretodo que aún no se haya convertido en un título de culto y si lo hayan hecho otras películas que quizás no lo merezcan tanto.

Puntuación: 8 de 10