Los Mejores Remakes de la Historia, Parte 2

He aquí una segunda tanda de remakes, esta vez de corte histórico y que seguramente muchos de vosotros, en algún momento u otro, habeis visto. Tres grandes clásicos de la historia del cine, algunos de ellos habituales en emisiones televisivas de Semana Santa xD
Puede que algunos de ellos no supierais que eran remakes, pues la original pertenece al cine mudo y pocos (incluyéndome a mí) la habrán visto.


Cleopatra 1963 - Joseph L. Mankiewicz

Grandiosa y magnífica película del maestro Mankiewicz, que ya tenía experiencia en el tema con su adaptación de “Julio César” de Shakespeare (a parte de una excelente filmogafía a sus espaldas).
Una de las películas más ilustres, sino la que más, del llamado “cine espectacular” de la época, o lo que hoy en día entendemos por grandes superproducciones.

Su rodaje no estuvo exento de problemas, siendo además Mankiewicz el encargado de llevar las riendas del proyecto tras el abandono (o despido) de Rouben Mamoulian.
Un gran trabajo detrás y delante de la cámara (bellísima Elisabeth Taylor como la susodicha Clepoatra), escenas espectaculares y un gran trabajo de vestuario (que le valió el Oscar de ese año) hacen de “Cleopatra” una de las películas más emblemáticas del género (y de la historia del cine en general)

A parte de algunas versiones mudas, la historia de la reina de Egipto fue llevada antes a la gran pantalla por otro especialista, Cecil B. DeMille. Dicha cinta, también era una superproducción y también obtuvo un gran éxito.


¿Sabías que...se pensó en estrenar la película en dos partes independientes de tres horas de duración cada una y que tras desechar la idea, la obra original tuvo varios recortes en el metraje?
El proyecto acabó en un principio en 243 minutos aprox., pero ese número se iría reduciendo en sucesivos estrenos, llegando a los 220 para la versión que vimos en España y los 190 en pases para televisión.



Ben-Hur 1959 – William Wyler

Otra majestuosa obra cinematográfica, una de las mejores película de todos los tiempos, protagonizada por el polifacético Charlton Heston en uno de los papeles más importantes y reconocidos de su carrera (se llevó el Oscar al Mejor Actor). Hablando de carrera...La carrera de cuadrigas es ya una de las secuencias míticas de la historia del cine.

Un servidor considera esta versión moderna como un remake, aunque bien podriamos considerarla también como otra adaptación (con mayores recursos técnicos) de la novela de Lewis Wallace.
La anterior adaptación data del 1926 (aunque también existe una versión de 1907) y fue drigida por Fred Niblo. Es considerada la película muda más espectacular jamás rodada y muchos expertos apuntan a que no tiene nada que envidiarle a la versión sonora de Wyler. Es más, en la versión de 1959 se eliminan algunos personajes de la novela.


¿Sabías que...Rock Hudson (uno de mis actores predilectos) fue propuesto para el papel de Ben-Hur?
Hay en la película ciertas reminiscencias sobre la relación homosexual que mantenían Ben-Hur y Mesala, aunque Charlton Heston intentó frenarlas. Hubiera sido, cuanto menos curioso, que Hudson hubiera hecho dicho papel, a tenor de su homosexualidad (que siempre procuró mantener oculta, dicho sea de paso)



Los Diez Mandamientos – 1956 – Cecil B. De Mille

De Mille nos relataba la epopeya biblíca de Moisés como un gran entretenimiento, haciendo de la historia y la religión, puro espectáculo. Unión perfecta entre melodrama y tremendos efectos especiales, que a día de hoy siguen maravillándonos a muchos cinéfilos empedernidos (y remarco lo de cinéfilo, porque no soy para nada religioso). De hecho, el único Oscar que se llevó la película fue en materia de efectos especiales. Pero ahí está el cara a cara entre Charlton Heston y Yul Brenner (los dos musculados y atractivos, eso sí) para demostrar que la cinta era mucho más que unos vistosos efectos visuales.

Lo curioso en este caso, es que De Mille fue el encargado de llevar a cabo este remake, siendo también el autor de la cinta original de 1923. Así pues, el talento de este director quedaba demostrado tanto en la versión muda como en la versión sonora.


¿Sabías que...los decorados se construyeron en Egipto?
Con un presupuesto de uno de 13 millones (hoy en día, una nimiedad), se construyeron impresionantes decorados de cartón-piedra para ambientar la película con el máximo realismo posible.



Y hasta aquí esta pequeña revisión de clásicos remakes.
De las tres cintas, puedo decir que la que más veces he visto es, sin duda, Ben-Hur. Y a pesar del extenso metraje de todas ellas, para mí ninguna se hace aburrida. Obviamente, algunas ahora ya no me seducen tanto, como es el caso de “Los diez mandamientos”, pero “Ben-Hur”, junto a “Espartaco”, son mis dos peplums preferidos.

Espero que os haya gustado esta tanda. Y disculpad mi efusividad, pero en materia de clásicos no puedo contenerme :)


La próxima revisión de remakes, será sobre películas de acción.



Saludos

“Death Proof”, egocentrismo hecho cine

Antes de empezar la crítica, es importante dejar claro que un servidor no siente ni devoción ni desprecio por el cine del sr. Tarantino, con lo cual mi postura hacia su último trabajo se beneficia, desde su inicio, de la virginal ausencia de favoritismos o prejuicios (habituales en espectadores pertenecientes a sendos bandos). Su filmografía me produce admiración (Reservoir Dogs) y disgusto (Kill Bill) a partes iguales, por lo que ignoro hasta que punto mi opinión tendrá validez entre los cinéfilos. Quizás al espectador común, la crítica le sea más útil.

Dicho esto y cruzando los dedos, he aquí la humilde opinión de “uno que ha visto la última de Tarantino en un pase de prensa”:


Ya es sabido por todos que el proyecto Grindhouse es un homenaje puro y duro a la serie z sesentera y setentera, que engloba subgéneros tan dispares como el blaxploitation, el sexplotaition, el mondo, el giallo o thriller-trash o el gore de toda la vida. Partiendo de eso, cualquiera que sienta cierta repulsión o apatía por alguno de los citados, de seguro no podrá disfrutar al 100% de este, llamémosle, experimento.

Death Proof, cuya traducción sería “a prueba de muerte”, se aleja notoriamente del toque gamberro y (auto)paródico del segmento dirigido por el sr. Rodríguez, aunque también anda sobrado de, por momentos, agradecidos excesos.
Lo que aquí se nos presenta es una road-movie con psycho-killer de por medio, un thriller con algo de buena acción y mucho mucho diálogo. En referencia a esto último, es obvio que si por algo destacan las historias de Tarantino, entre otras cosas, es por sus elocuentes y, muchas veces, brillantes diálogos. Quién disfrute de ellos, se hartará en esta película. Yo, con cierta mesura, los acepto de buen grado, salvo cuando al sr. Tarantino le da por recrearse en ellos hasta extremos longevos y cargantes.

Sin ir más lejos, la primera media hora de la película queda lastrada por unos diálogos insulsos, banales y carentes del mínimo interés. A lo largo de unos eternos treinta minutos, contemplamos las superficiales charlas de unas atractivas y lujuriosas mujerzuelas que nos cuentan con quién se acuestan o dejan de acostarse, dónde y cómo lo hacen, manteniendo así un constante desasosiego en mi persona. Teorícamente, esto debería servirnos, en mayor medida, para presentarnos a cada uno de los personajes, y que si bien cumple ese propósito, tampoco sirve de mucho si éstos son tan frívolos (muy lejos de una Pam Grier blaxploitation). No importa que sean mujeres las protagonistas, pues tres cuartos de lo mismo se podría decir si las conversaciones masculinas tipo “American Pie” se alargaran hasta la media hora.

Por lo tanto, salvo puntuales momentos de lucidez que me sacan del aburrimiento (casi siempre cuando aparece el ansiado psycho-killer), el resto toma la forma de versión macarra de “Sexo en Nueva York”, algo que dista mucho de los intrascendentes pero gloriosos diálogos de “Pulp Ficton” o “Reservoir Dogs”, por citar unos ejemplos.


Lo mejor, sin duda, es la presencia del psycho-killer en cuestión, el enigmático Mike Stuntman, interpretado por Kurt Russell, quien otorga al personaje un carisma único.
El personaje fue, en un principio, concebido para que lo interpretara Mickey Rourke, pero he aquí que yo me alegro de que lo rechazara y que por consiguiente, recayera en uno de mis actores ochenteros favoritos.

Mike Stuntman es un viejo y retirado especialista, reconvertido en asesino en serie, cuya peculiaridad homicida radica en aniquilar a sus víctimas con su coche, un Chevy Nova negro de 1970 (un cochazo la ostia de guapo) . Por separado, resultan casi inofensivos, pero juntos, son un arma mortal. Sus jóvenes víctimas -o lo que queda de ellas luego- son buena prueba de ello.

Stuntman busca y estudia a sus víctimas. Su fijación, como no, serán las charlatanas mujerzuelas de las que os hablaba. Es el momento en el que las da caza, cuando realmente la película nos saca del sopor inicial, y es también cuando Tarantino saca provecho de sus aptitudes tras la cámara, haciendo un buen manejo de ésta sobretodo en las secuencias de acción y en una posterior persecución automovilísitca final que nada tiene que envidiar a las películas a las que este hombre homenajea (y que en un mundo plagado de CGI, yo aplaudo con efusividad)


Tras una impactante secuencia con algún que otro desmembramiento (faltaría más!), Tarantino vuelve de nuevo a la carga con sus diálogos. No obstante, esta vez la cosa mejora, básicamente porque deja a un lado las “conversaciones de peluquería” por algo un poco más interesante, más cinéfilo y sobretodo más (auto)complaciente.
Y ya en los últimos 20 minutos de la película, tendrá lugar la citada persecución, que hará las delicias de todos. En ella veremos si hay alguien que pueda pararle los pies al desquiciado de Mike Stuntman. Eso sí, ahora serán dos Dodge los que entren en acción: el Challenger blanco de las chicas y el Charger negro de Mike (de nuevo, un par de cochazos)


Y aquí me paro, que no quiere contaros nada más de la trama, aunque por el momento tampoco he dicho mucho más de lo que se aprecia en el trailer. Trailer por otra parte, bastante engañoso, pues el asesino de turno aparece mucho menos de lo deseado y el toque thriller aparece y desaparece con suma facilidad, con lo que al fin y al cabo podriamos definir la película en cuatros partes: diálogos malos + corta secuencia de acción + diálogos buenos + larga y gratificante secuencia de acción. Entre medio, algunos duelos (visuales y hablados) entre víctimas y verdugo que ayudan a ponernos en situación y que nos permiten sobrellevar el ritmo un tanto, para mí, tedioso del film.


También hay momentos en los que se nos saca una sonrisa cómplice, sobretodo en los guiños autoreferenciales. Algunos de los otros guiños, que no todos, son caso aparte, pues la mayoría hacen referencia a cintas de culto personal, es decir, las que Tarantino adora y que probablemente muchos de nosotros no hayamos visto. Digamos que no son los clásicos guiños que un cinéfilo común se encuentra y disfruta. No es como ver el póster de “El ataque de la mujer de cincuenta pies” en el pub en el que Vincent Vega y Mia Wallace (Pulp Fiction) van a tomar algo (recordemos también a lo/as camarrero/as Marilyn Monroe o Ricky Nelson).
Aquí es necesario explicarnos que el Dodge Challenger blanco de 1970 es como el que aparece en la película “Punto límite: cero”, porque sinó, ni nos enteramos (o por lo menos yo no). Dicho esto, seguro que pronto sacan una nueva edición en dvd de dicha película, aprovechando la notoriedad que “Death Proof” le ha dado. Una práctica muy usual cuando hacen un remake de un viejo clásico y relanzan el original en “edición especial” o no tan especial. Tiempo al tiempo, sino.


Otra cosa que no podía faltar en una película de Tarantino es la exquisita selección de temas musicales. En este caso, no son tan conocidos ni míticos como en anteriores película del director, pero siguen siendo una gozada, almenos para quien esto escribe.
Y otro detalle “marca de la casa” es la fijación que Tarantino tiene hacia los pies, más concretamente, los pies femeninos. Unos cuantos primeros planos de éstos copan la pantalla de cine. Y lo que no son pies también, pues las posaderas de las féminas también quedan bien retratadas. Sobre éstas, nada que objetar.

También hay sitio para los cameos, entre ellos, destacarían el de su protegido Eli Roth o el de actores y/o personajes del segmento de Rodríguez (las gemelas, la enfermera y su padre el sheriff...)
Su implicación en la trama, salvo el personaje de Rose McGowan, no son de vital importancia, pero se agradecen igualmente.


Haciendo incapié en el reparto, hay que decir que la mayoría de las chicas de la película suponen otro punto en contra, tanto por el vacío tratamiento que se le da a los personajes (algo que en una película de Tarantino no suele ocurrir) como por las mediocres interpetaciones de algunas de las muchachas. Las que aquí destacan por su buen oficio son Rose McGowan (con desafortunada peluca incluida), la especialista Zoe Bell (doble de Uma Thurman en Kill Bill) y por momentos, Vanesa Ferlito. Es curioso el caso de Bell, pues siendo especialista y no actriz propiamente dicha, destaca muy por encima de otras que, casualidad o enchufe (lo segundo diría yo), son hijas de actores reconocidos.
Tenemos pues a Sydney Tamiia Poiter, hija del mítico Sidney Poitier, y del que por lo visto tan sólo ha heredado los rasgos raciales y el atractivo. También encontramos a Jordan Ladd, hija de Cheryl Ladd (Los ángeles de Charlie), algo que quizás no os dice demasiado, pero si os digo que es a su vez nieta del gran Alan Ladd, pues la cosa cambia.
Puede que la película les sirva de trampolín para meterse en la industria cinematográfica, pero mucho tendrán que mejorar si quieren permanecer en ella.

Así que, para concluir, lo que se puede decir es que Tarantino ha hecho esta película para homenajear las películas con las que creció, para autohomenajearse a si mismo (en exceso) y para contentar a su séquito de fans.
Se podría decir que “Death Proof” contentará a sus seguidores, que probablemente la idolatren desde el primer momento. A sus detractores les seguirá pareciendo una tomadura de pelo y otra oportunidad pérdida para demostrar el talento que antes vieron en su estupenda ópera prima.
Por lo que se refiere a mí, una sensación agridulce, tirando más bien a la indiferencia.
Momentos muy buenos combinados con otros bastante soporíferos, un genial Kurt Russell y unas insoportables aspirantes a actrices, hacen de “Death Proof” una película no apta para todos los públicos.

Como ya digo, dudo que decepcione a los fans, pues viene a ser una película tarantiniana más. Los demás, que decidan verla o no, ya corre de su cuenta. De lo que no me cabe duda es de que tanto Tarantino como Rodríguez se lo han pasado bomba con este proyecto. No ha cuajado muy bien entre el público estadounidense (y luego eramos los no angloparlantes los que no entendíamos de “sesiones dobles”...), pero han tenido la suficiente caradura y valentía para llevar a cabo un proyecto muy personal y arriesgado.
Mención especial al diseño de carteles, créditos y demás parafernalia retro-pulp que nos han hecho rememorar (y añorar) la serie z de antaño.
Yo personalmente, del proyecto “Grindhouse”, me quedo con la divertida gamberrada de Rodríguez. Y vosotros?

Ya me contareis.


Lo mejor: un impagable Kurt Russell; las persecuciones al volante de los Dodge y el Chevrolet; algunas ocnversaciones entre Mike Stuntman y sus víctimas.

Lo peor: los excesivamente largos diálogos; algunas de las jóvenes actrices; un final bastante ridículo


Valoración personal: Regular

Un año en la blogosfera

Tal día como hoy, un 28 de Agosto de hace ya un año, me adentraba en el, por aquel entonces, semidesconocido mundo de los blogs.
Tras revolotear la idea por mi cabeza durante varios días (y noches), decidía crear mi propio blog, sin apenas tener muy claro lo que en él iba a escribir (algo que se notaría luego)

Lo que empezó como una especie de medio para expresarme o, mejor dicho, desahogarme sobre ciertos asuntos que me apetecía comentar, se ha acabado conviertiendo en un blog dedicado a una de mis mayores pasiones, el cine.
La verdad es que esa evolución tampoco me piyó por sorpresa, pues ya imaginaba que, sin tener nada mejor que contar, acabaría hablando sobre el fascinante séptimo arte.

También el tono en mi forma de escribir cambió notablemente. Pasé de la socarronería y el tono humorístico (a veces irónico/sarcástico) a un tono un poco más formal y comedido.

Sí que debo admitir cierta sobriedad en el aspecto visual del blog, pues tampoco me he molestado mucho en hacer cambios en ese campo. Tampoco he creado secciones para facilitar una mejor y más rápida navegación por él, algo que intentaré remediar en un futuro próximo (o eso espero)

Pero la verdad es que lo que menos esperaba es que fuera a durar tanto en esta empresa (aún escribiendo poco y de vez en cuando), sobretodo teniendo en cuenta que mis ilusiones y ánimos en ciertos proyectos suelen seguir un camino decreciente.
Así que si existe un motivo por el cual sigo en la red -soltando así por la cara mis opiniones- ese es los lectores del mismo. Tanto los lectores que esporádicamente han dejado sus comentarios, como los que muy agradecidamente y sin ningún tipo de compromiso, han opinado y siguen opinando sobre lo que un servidor redacta. A ellos les doy las gracias por leerme. Y aunque algunos también me lean y no hayan dejado sus mensajes, también les agradezco que estén ahí, deseando que la lectura de los posts les sirva como mínimo, para pasar el rato (no me atrevo a afirmar si para bien o para mal xD)

Poco más que decir, salvo que de momento seguiré en activo, pues ya le he cogido el gustillo a esto de escribir en un blog. En la medida de lo posible, intentaré mejorar algunos aspectos de éste. Y puede que en breve, si me decido, cree otro blog un poco más especializado y que ya lleva tiempo gestándose entre mis pensamientos.

Dicho esto, reitero una vez más mi agradecimiento a mis pocos pero buenos y fieles lectores, porque sin ellos yo ya no seguiría divagando en público.


Y en breve, la crítica de la esperada “Death Proof”, la última película de Quentin Tarantino, perteneciente al proyecto "Grindhouse" y que aquí se estrena por separado para sacarle los cuartos por duplicado al público español (y europeo en general)



Saludos de una mente perturbada ;)

“Sigo como Dios”, el Noé del siglo XXI

Esta película tiene el honor (o la desgracia, visto lo visto) de ser la comedia más cara de la historia del cine, con un presupuesto de unos 175 millones de dólares, que para el tipo de producto que es y en vistas del resultado final, se nos puede antojar una barbaridad.
Y es que el principal problema de la película está en la poca gracia que hace. Tratándose de una comedia, eso es lo peor que te puede pasar.
Pero antes que nada, pongámonos en situación.


“Sigo como Dios” es la secuela de “Como Dios/Bruce Almighty”, también del mismo director y protagonizada por aquel entonces por un cómico de moda, Jim Carrey. La verdad es que la película, sin ser nada del otro mundo, logró un gran éxito de taquilla gracias, sobretodo, a las dotes humorísticas del sr. Carrey.
En este caso, la fórmula se repite pero con otro cómico a la cabeza, Steve Carrell. Esta vez, la historia parte del personaje que ya interpretaba éste en su antecesora: el arrogante presentador de informativos Evan Baxter.
Ahora Baxter ha dejado la tv y se ha convertido en congresista de los EE.UU., un cambio que le ha proporcionado una casa nueva (un caserón del copón), un coche nuevo (un gran y lujoso todoterreno) y un despacho más grande que el pisito de algunos jóvenes españoles. Vamos, que la suerte está de su parte.
No obstante, el día menos pensado se le aparece Dios y le encarga una importante misión: construir un arca inmensa con sus propias manos y de forma rudimentaria.
Eso, obviamente, desbarata todos los planes de Baxter, cuya máxima aspiración hasta el momento es entrar con buen en pie en su nuevo cargo.

Tras la previa incredulidad, Baxter se verá obligado a cumplir con dicha tarea, causando un gran revuelo tanto en su lugar de trabajo como dentro del núcleo familiar.
Con semejante percal, Baxter deberá hacer lo imposible para construir el arca en un tiempo record, al mismo tiempo que afronta el hecho de que todos, incluso su familia, le toman por loco.


Como ya he comentado anteriormente, el fallo de la película radica en su más bien poca gracia. Los gags están muy trillados y rozan en todo momento el infantilismo. Su repertorio de chistes pasa por recuperar los clásicos de siempre: la paloma u otra ave que se defeca en tu impecable traje o el martillazo que te das en el dedo cuando intentas clavar un clavo. Vamos, que solo faltaba el resbalón con la piel de plátano.
Con ello, es díficil que el espectador se ría, o por lo menos en lo que al espectador adulto se refiere. Hay momentos que te sacan una leve sonrisa, pero jamás una carcajada.
Con este tipo de humor, Carrell tiene poco que hacer. Y aunque su aspecto discreto y sereno -hay momentos para las gesticulaciones, pero Carrell no llega nunca al histrionismo del amigo Carrey- le otorgue cierta comicidad a su personaje, la verdad es que el tratamiento que se le da a la película no permite que el actor se luzca como debiera.


Corre una máxima por Hollywood que recomienda no trabajar ni con niños ni con animales. Esto a Shadyac parece que no le importa demasiado. Es más, ya había trabajado antes con animales (Ace Ventura) y con niños (Mentiroso compulsivo), con lo cual, eso no suponía ningún problema para él.
Y de hecho, podemos decir que esa parte está bien resuelta.
Los animales inundan la pantalla en casi todo momento, pero tenemos la gran suerte de que no hablan, por lo que nunca llegan a cansar y se acoplan a la perfección con el reparto humano.
Los niños, tres varones hijos del prota, no resultan ni repelentes ni cargantes, lo cual es un alivio para el que esto escribe y supongo que para todo espectador con poca tolerancia hacia la chiquillada.
Además, el hecho de ver la película con subtítulos, ayuda ahorrarse los nefastos doblajes que se dan muy a menudo por aquí en materia de niños (véase Zathura)

Otro punto a favor es la presencia de la encantadora Lauren Graham (Las Chicas Gilmore), cuya función es la de sufridora esposa de Baxter. En mi opinión, su trabajo es mucho mejor que el de la Aniston de la primera parte (quien casi siempre se limita a repetir la Rachel de Friends)
Desde el primer minuto me ha cautivado tanto su belleza como su naturalidad para con su personaje.

Dándole la réplica a Carrell tenemos otro cómico y peso pesado de la interpretación (lo digo en sentido figurado) como John Goodman, al que desgraciadamente no se le da suficiente cancha para explayarse a gusto. Lástima, porque además los “cara a cara” entre éste y Carrell saben a poco.

Y luego por supuesto está Dios omnipresente, interpretado una vez más por Morgan Freeman, dado muy poco a la comedia pero que siempre resulta efectivo ahí donde lo pongas. Hay que decir también que a pesar de ser una parte importante (que no siempre necesaria) del argumento, su presencia es más bien escasa, limitándose a aparecer unas cuantas veces, sonreír, soltar un par de discursitos y desaparecer a lo David Copperfield. Más o menos lo que ya hacía en compañía de Jim Carrey.


Hay que decir que el presupuesto invertido en la película se hace notar, sobretodo hacia el final, que aún sin desvelaros nada, ya os podeis imaginar que sucede.
Entre filmar a los animales por separado para luego incluirlos juntos en el montaje final, más los creados por ordenador, el gran arca construido para la ocasión y la espectacular secuencia final, por lo menos podemos decir que se le ha sacado provecho a cada dólar gastado. Lo malo es que luego tienes que procurarte que vaya mucha gente a ver tú película, y eso no siempre es fácil.
En USA la película ha tenido una tíbia acogida, sobrepasando levemente los 30 millones en su semana de estreno, que para una comedia puede no ser una mala cifra, pero para el dineral que se ha empleado, la verdad es que sabe a poco.

Ignoro que tal funcionará en España, pues a pesar de tener el gancho de ser la secuela de “Como Dios”, hay que hacer notar que aquí Carrell no goza de la popularidad que sí tiene en EE.UU., gracias sobretodo al serial “The Office” y a su participación en exitosos shows como Saturday Night Live o The Daily Show. De hecho, la película se permite un par de guiños hacia éste último y hacia otros trabajos cinematográficos del actor, como “Virgen a los 40”.


Así pues, “Sigo como Dios” acabe siendo una comedia familiar edulcorada y muy convencional, con un guión simplón y un humor bastante pobre. Desde luego, no es la mejor opción para echarse unas buenas risas. Para eso quizás habrá que esperar a la adaptación de “Superagente 86”, de la que espero mucho más por parte de Carrell y de los guionistas.

En definitiva, que estamos ante una película simpática pero no graciosa, cargada de sentimentalismos y buenas intenciones. Es de esas películas que cuando acaban, te dan ganas de abrazar a tus hijos y besar a tu mujer (si los tienes), por lo que no es una mala opción para ver en familia, pues los más pequeños de seguro que pasarán un rato agradable y hasta divertido.
Si por lo contrario, la típica comedia familiar edulcorada e infantil te aburre, se te hace repetitiva o simplemente te horroriza, puedes prescindir de verla.

Shadyac se ha querido distanciar un poco de la primera parte, y quizás lo que le ha faltado es un toque un poco más gamberro y en general, un humor más elaborado. Por lo menos, la película dura poco y se pasa rápido, con lo cual tampoco supone una pérdida de tiempo y se deja ver sin molestar. Cosas mucho peores se han hecho.

Lo mejor: los efectos especiales; que dura poco; se hace simpática

Lo peor: la abundancia de tópicos; el humor infantil; el tratamiento edulcorado; las moralejas de siempre


Valoración personal: Regular

Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, bufonadas heroicas

Esta es la adaptación comiquera del verano y una más de tantas que se estrenan a lo largo del año. Y es que a día de hoy, parece que vamos a tener una adaptación al cine de todos y cada uno de los superhéroes que existen en el mundo del cómic, desde los más clásicos y reconocidos, hasta las que pasan más desapercibidos o ya no están en boca del lector.
De hecho, tanto si son buenas o no, lo importante es que recauden una suma importante de dinero, con lo cual se de pie a una o dos secuelas más, como mínimo (normalmente, hasta que una de ellas fracase estrepitosamente)


El caso que nos ocupa es la secuela del título que se estrenó en el 2005 y que adaptaba las peripecias de un grupo de personas que tras entrar en contacto con una radiación cósmica, adquieren fabulosos superpoderes.
La primera película sirvió para explicarnos los orígenes tanto de los héroes como del villano en cuestión, por lo que en esta segunda entrega las bases ya están sentadas.

El mayor problema con el que contaba “Los 4 fantásticos” y que inevitablemente también arrastra su secuela, es el tratamiento infantiloide que se le ha dado al producto. Esto hace que muchos espectadores (y fans) se sientan profundamente decepcionados, pues no es el enfoque ideal que debería tener una película de superhéores.
El humor prima por encima de la acción en ambas películas, lo cual conlleva a que muchos se aburran o directamente se horroricen ante lo que están presenciando (no es mi caso, dicho sea de paso)
Realmente, un servidor esperaba que su director Tim Story (experimentado en las comedias) hubiese aprendido un poco de los errores del pasado y se hubiera procurado meter mucha más acción para contentar a los detractores de la primera parte. También hubiera sido acertado dosificar las notas de humor, que si bien en algunos momentos nos arrancan una agradable sonrisa, al final tanto chistecito fácil acaba siendo repetitivo y cansino.
Así pues, esta secuela es más o menos lo mismo que uno ya pudo ver en su antecesora, con los mismos defectos y las mismas virtudes (que también las tiene)


En este caso, la novedad viene dada por el personaje de Silver Surfer (aká Estela Plateada), que complicará la rutina diaria -y alguna que otra celebración- de nuestros superhéroes. Sobre él se cierne toda la historia, siendo su personaje la clave tanto para inciarla como para concluirla.
Su presencia en nuestra planeta es la evidencia de que un mal se cierne sobre nosotros y la misión de los 4 fantásticos será detenerlo y salvarnos a todas de la destrucción más inminente (nada nuevo, vaya xD)
Sin embargo, un servidor considera que Silver Surfer y sus poderes podrían haber dado mucho más juego del que han dado, y que se podrían haber recreado vistosas e impactantes peleas. Y no ha sido así. Tan solo cuenta con un par o tres de momentos de puro lucimiento, que no llegan a ser nada del otro mundo y que dos de ellos ya los habíamos visto en los trailers.
Con lo cual, considero que el personaje está bastante desaprovechado y que podía haber dado más de sí.


En materia de efectos especiales, y en particular centrándonos en el personaje de Estela Plateada, la película cumple notablemente su misión. No es que lo que veamos sea realmente espectacular, pero está bien hecho (salvo en alguna escena puntual donde pegan el cantazo; ej: el bailecito de Mr. Fantástico)
Aún así, esto no es suficiente para que la película sea considerada todo un acierto, pues ese tema, en grandes superporducciones, suele estar casi siempre bien resuelto.
Por lo tanto, el film necesita algo más que unos buenos fx. Desgraciamente, si echamos mano del guión, nos daremos cuenta que éste es muy simple y plano. Parece sacado más bien de un corto capítulo de la vieja serie de dibujos y resulta insuficiente para soportar el peso de una pelicula de hora y media de duración.
No obstante, son muchas las películas que con guiones de pacotilla y buenos efectos especiales logran hacerse con la taquilla y con el beneplácito del espectador, por lo que al fín y al cabo, esto tampoco supone un gran problema para el disfrute del film.

Lo mejor de la película vuelve a ser Antorcha (Chris Evans) y sus puyas con La Cosa (Michael Chiklis). Son suyos los momentos más divertidos de la película, siendo éstos además los que ayudan a mantener el interés de muchas de las secuencias típicas de relleno.

En el lado opuesto, tenemos a una, para mí, cargante Chica Invisible, interpretada una vez más por la atractiva Jessica Alba, que ya fue candidata a los Razzie por su interpretación en la primera parte. Aquí vuelve a mostrar una alarmante pobreza de matices, pasando del ceño fruncido a la extensa sonrisa de oreja a oreja. A eso, le añadimos además que esta vez su estilista no ha estado muy acertada en su tarea y que las posturitas telekineticas son un tanto ridículas.
Así que en materia de bellezones, envidio más a La Cosa que a Mr. Fantástico.
Y hablando de éste último, debo indicar que a Ion Gruffud (es que nadie más le ve el parecido con Van Damme??) se le ve poco metido en su papel. No parece que le haya echado muchas ganas al asunto. Sin ir más lejos, es el protagonista de unas de las escenas más bochornosas de la película. Así que llegados a este punto, quisiera hacer un llamamiento a los guionistas de futuras adaptaciones comiqueras, para que no incluyan escenas en el que el superhéore de la película haga el payaso. Creo que el espectador ha dejado claro que ese tipo de chorradas no le gustan. Para tales menesteres, ya tenemos a los Will Ferrel de turno xD

Pero lo realmente inquietante de la cinta es la misteriora reaparición del Dr.Muerte, incluido en esta secuela con calzador y sin explicaciones de ningún tipo. Una de esas resurrecciones al estilo Barbossa, es decir, por que sí y punto.
Una pena la verdad, porque Julian McMahon, el actor que lo interpreta, hizo anterioramente una buena caracterización del personaje y aquí queda banalmente utilizado y desprestigiado.


Y ya por último, un temita de discordia entre público en general y fan en particular: la presencia en forma de nube destructiva de Galactus (cuya mitología me recordaba un poco al MAL de “El Quinto Elemento”). Yo personalmente, prefiero esa masa amorfa y ambigüa que no un gigante de aspecto colorista y ridículo casco en la cabeza. Que sí, que será muy chulo en el cómic, pero en pantalla hubiera quedado un poco patético, un poco Power Ranger.
Es comprensible que quien disfrute de los cómics, pida cuanta mayor fidelidad mejor, pero a veces hay que sacrificar ciertos aspectos para hacerlos adaptables a una película de carne y hueso. De ahí que el Lobezno cinematográfico no sea un tío con unas mallas amarillas, lo cual yo agradezco enormemente.


En definitiva, lo que tenemos entre manos es un producto del que lo mejor que podemos decir es que no aburre, así que si no se le exigue demasiado, puede contentar a aquellos que decidan pasar un rato disfrutando de las andanzas de los 4 fantásticos.
Aquellos a los que no les gustó la primera, harían bien en alejarse de esta secuela, pues no va a hacer que se reconcilien con la saga. Probablemente, todo lo contrario.

En mi caso, no se si es porque con la primera fui con muy bajas expectativas o qué, pero la verdad es que esta secuela me ha parecido inferior por culpa de fallos puntuales que por lo menos en su antecesora se ahorraban.
En general, esta segunda parte ha gustado más gracias a al presencia de un enigmático Silver Surfer, pero tampoco es que sea nada del otro mundo y como ya he dicho, sus posibilidades han sido reducidas al mínimo.
Así pues, película flojilla e infantil (o familiar, que suena mejor), que se deja ver sin molestar y que entretiene y gusta si logras pasar por alto algunos errores en su trama. Está muy muy lejos en calidad de una “X-Men”, pero tampoco llega a los altos niveles de mediocridad de una “Catwoman”.

Lo mejor: Chris Evans; las riñas entre Antorcha y La Cosa; los efectos especiales de Silver Surfer; que dura poco.

Lo peor: Jessica Alba; el baile discotequero de Mr. Fantástico; la falta de más y mejores escenas de acción; el infantilismo que impregan toda la cinta


Valoración personal: Regular

El últimatum de Bourne, encajando las últimas piezas

Pronto aterrizará en nuestras pantallas la, de momento, tercera y última entrega de la saga Bourne. El precedente es más que bueno, ya que en USA ha cosechado un buen éxito en su estreno y las críticas hacia ella son más que favorables. La verdad es que no es para menos, puesto que esta tercera entrega es un más que digno cierre de una de las trilogías más eficaces (e inteligentes) de los últimos años.

Con una puesta en escena sobria pero contundente, la saga que ha encumbrado al sr. Damon al estrellato (el mismo lo admite), se ha abierto paso en un mercado cinematográfico en el que la pirotecnia, los efectos especiales y las estrellas de renombre están a la orden del día. Puede que con menos pretensiones, pero con más talento, se ha conseguido algo que no se conseguía en muchos años: hacer una saga que no solo mantenga el nivel de una secuela a otra, sino que lo supere.

Paul Greengras recogió el relevo de Doug Liman -ejerciendo éste ahora de productor- con “El mito de Bourne” y aquí vuelve a estar en la silla de director. Su experiencia dirigiendo documentales se hace notar también en sus películas, y el realismo que impregna en ellas es ya marca de la casa.

Por ello, tanto el conjunto como las escenas de acción en particular, se distancian bastante de la pomposidad de otras cintas del género. La película está confeccionada como un thriller de acción sostenido por un guión sólido y rehuyendo de efectismos baratos. La acción está al servicio de la trama, y no al revés.

A Grengrass le gusta rodar cámara en mano, y aunque yo no soy muy partidario de esta técnica, la verdad es que a medida que pasan los minutos, uno ya no le presta atención a eso, pues ya ha sucumbido totalmente a la propia película.

En esta nueva a entrega, el agente Jason Bourne tratará de encajar las últimas piezas que conforman el puzzle de su misteriosa identidad. Irá a por todos aquellos que lo quieren borrar del mapa y pondrá punto y final a una vida plagada de huidas constantes.

Tras haberse vengado de la muerte de su novia y darse cuenta de que por más que se esconda, siempre le perseguirán, Bourne toma ya la decisión de llegar hasta el final, cueste lo que cueste. Impartirá justicia a su modo. Y si tiene que repartir ostias como panes, las repartirá, que de eso y más, sabe un rato largo.

La película tiene un ritmo endiablado y Bourne no para quieto en casi ningún momento. Viaja a Londres, París, Madrid, Berlín y Nueva York (no en este orden), siguiendo cada una de las pistas que le llevarán hasta los máximos responsables de su angustiosa situación.

Los momentos más frenéticos vienen acompañados de una acertada música que ayuda a sentir la tensión del momento. De hecho, para mí, las mejores secuencias no son las típicas persecuciones con vehículos de por medio, sino aquellas en las que Bourne trata de burlar el seguimiento de sus captores. Estos últimos, trabajan desde su sede con la mejor de las tecnologías de vigilancia y me ha sido imposible no recordar la serie “24”. Aquellos que la sigan y vean la película, sabrán un poco a lo que me refiero (satélites, cámaras de vigilancia, teléfonos pinchados...)

Como ya he dicho, “El últimatum de Bourne” se sustenta gracias sobretodo a un guión competente de principio a fín. Si bien la idea es simple (el juego del gato y el ratón, pero esta vez por duplicado), la trama se va desarrollando de forma escalonada, captando el interés en todo momento, sin permitirse ningún bajón. Todo lo que se nos va contando, tiene su razón de ser. Y quizás el mayor logro es conseguir que como espectadores, adquiramos esa complicidad con el protagonista. En todo momento sabemos de Bourne, tanto como él mismo. Eso nos permite ir atando cabos al mismo tiempo que lo hace él.

Y en cuanto al reparto en sí, decir que Matt Damon cumple una vez más con su rol. Sería muy dificil (que no imposible) imaginarse una continuidad de la saga sin Damon encarnando a Bourne. Si bien no está en mi lista de preferidos, debo admitir que consigue transmitir la humanidad que el personaje necesita, siendo ésta una buena manera de sentir empatía por un tipo a veces tan frío y del que conocemos poco más que pequeños flashes de su pasado.

En lo femenino, repiten Julia Stiles y Joan Allen, cuyos personajes serán vitales en el transcurso de la cinta, como ya lo fueron en la anterior entrega. Ambas correctas en sus papeles, destacando sobretodo a Allen.

David Strathairn se encarga aquí de dirigir la caza de Bourne. Su personaje no conoce límites a los que atenerse para lograr sus objetivos, por lo que no duda en eliminar cualquier sujeto que prentenda ayudar a nuestro sufrido protagonista.

La interpretación de Strathairn está a la altura de los anteriores antagonistas. Sin duda, una buena elección (recomiendo su papel de borracho y maltratador en la película “Eclipse Total”)

Y por último, mención especial a los veteranos Albert Finney y Scott Glenn (este tío mola), que siempre cumplen y que otorgan su toque personal a sus personajes. No está de más decir que la dura mirada de Glenn llena la pantalla en los escasos minutos (por desgracia) que hace acto de presencia.

Claro que esto es muy subjetivo, así que aquellos que lo tachen de inexpresivo, esto les sonará a chiste xD

En definitiva, esta tercera parte gustará a todos aquellos que hayan disfrutado con las anteriores entregas. Si bien yo no soy un entusiasta de la saga (la primera me pareció simplemente correcta), por lo menos he quedado satisfecho. No me he aburrido en ningún momento y tampoco he encontrado fallos en su ejecución. Y de haberlos en el guión, si consigue hacer que no prestes anteción a ellos, ya lo podemos considerar un logro importante.

Puede que a aquellos que estén acostumbrados (o mal acostumbrados, según se mire) a cintas más espectaculares, queden un tanto decepcionados. Esto no es una Missión Imposible ni un Casino Royale. Aquí la saga no se cierra a lo grande, sinó en su linea y manteniendo la calidad de sus predecesoras. No hay lugar para rocambolescas escenas de acción. Las que hay están ejecutadas con admirable precisión y dinamismo, pero tampoco son de las que nos dejan con los ojos abiertos.

Pirotecnia pues, la justa y en su debido momento.

Lo mejor: el ritmo frenético de toda la película; la total coherencia con las anteriores entregas; las persecuciones a pie o en vehículo; el realismo que impregna Grengrass

Lo peor: el molesto tembleque de la cámara en algunas secuencias

Valoración personal: Buena

Primeval, Gustavo el cocodrilo

“Primeval”, o como la han bautizado ridículamente los borregos de siempre: “Cocodrilo: un asesino en serie”, es la monster movie de toda la vida, con su monstruo, sus personajes esterotipados y sus sustos con dollbysurround ensordecedor. No se le puede pedir mucho más a una cinta como esta. Eso sí, esta está inspirada en hechos reales (luego alterados y exagerados, por supuesto)

La verdad es que a día de hoy, el tema de los monstruos caza-humanos está muy trillado. Hemos tenido de todo, desde seres alienígenas (Alien, Critters,) hasta seres mutados (Godzilla, The Host), pasando por gran parte de la fauna marina más temible (Tiburón, Orca, Piraña). Poco queda para innovar, así que la cosa consiste en repetir la fórmula una y otra vez y así asegurarse el beneplácito del público (si es que lo pillas poco exigente).

En este caso, quizás el gran fallo de la película reside en querer aportar algo más al subgénero. En este aspecto, el director Michael Katleman (salido de la tv) pretende hacer un especie de crítica social y política, a sabiendas de que eso puede entorpecer el ritmo de la cinta, cosa que hace en algunos momentos.

Pero primero, os pongo en situación.

La historia se desarrolla en África, lugar donde unos reporteros son enviados a hacer un reportaje sobre un cocodrilo gigante que se ha cobrado ya unas 300 víctimas (!!!) y de quien no se han preocupado antes hasta que el hambriento animalito se ha zampado a una civil americana (aquí ya empiezan las puyas hacia los yanquis xD).

Su misión es dar fe de que el cocodrilo en cuestión existe, ya que fuera de África se lo toman a guasa (la típica leyenda urbana, vamos). Los reporteros formarán un grupo de expedición con un biólogo y un guía-cazador, acompañados en todo momento por militares de la zona para protegerlos de fuego enemigo, y es que todo esto sucede en medio de la guerra entre hutus y tutsis, dos etnias rivales (los que hayas visto la dura pero recomendable “Hotel Rwanda”, sabreis de que va el tema)

Así que el grupo no sólo deberá ir con cuidado para no convertirse en la cena del cocodrilo, sino que también deberán estar alerta para no ser acribillados a balas por “los malos”.

Como ya digo, el problema es meter toda esa crítica en medio, pues el cocodrilo acaba quedando en un segundo plano, y son sólo sus esporádicas apariciones las que sirven de aliciente para seguir con cierto interés el desarrollo del film. La verdad es que se pone a los africanos como paletos o como seres despiadados (que los habrán, como en todas las sociedades y todos los paises). Y en cambio, los americanos son los que están ahí para liberarles del monstruo y resolver el asunto (el cazador es blanco, los valientes son los blancos...). Así que entre el tufillo a denuncia social y el falso tufillo anti-americano, el film se tambalea sin rumbo fijo, pasando de un tema a otro, de los tiroteos a los ataques del cocodrilo, por lo que a ratos es inevitable preguntarse que tipo de película se está viendo y que pretende el director con ella.

Primeval es una película discretita, con actores de segunda fila más o menos conocidos y eternos secundarios, y con unos efectos especiales medianamente potables. Sus expectativas no son muy altas, por lo que no está de más ser un poquito permisivos en según que aspectos.

El plantel de actores y sus respectivos personajes es el siguiente:

Domic Purcell, visto en las series Prison Break y John Doe, es el periodista arrogante y machista de turno, al que luego veremos como el héroe de la película. Su interpretación es, como siempre, bastante mediocre. El cine le viene muy grande y la tv....pues también, siendo éste lo peor de Prison Break, a mi juicio. Viendo sus aptitudes, casi sería mejor que se dedicara a la lucha libre.

Luego tenemos al gracioso del grupo, personaje que recae en Orlando Jones, ya curtido en estos roles y que OJO SPOILER!!! ya desde el principio sabemos que no llegará al final de la película vivo FIN SPOILER!! Él es el cámara que filmará el reportaje.

La guapa Brooke Langton (vista en “Equipo a la fuerza”, con traje de animadora!) es la maciza de turno que adora a los animales y que además es inteligente. Por supuesto, no faltará una escena en la que se le puedan ver un poco las carnes (no demasiado, no os ilusioneis)

El para mi desconocido Gideon Emery interpreta al típico biólogo idealista que quiere estudiar a la bestia y no matarla. Tonto!

Y ya por último, la cara más (re)conocida del reparto, el alemán Jurgen Prochnov, quien hace de duro cazador, de calma imperturbable y mirada fría. Sin duda, el más creíble de todos (dentro de lo que cabe)

Todos ellos intentarán dar caza (que no muerte, en un principio) al gigante cocodrilo, que es ni más ni menos que un ser prehistórico que ha sobrevivido al paso de los años como único superviviente de su especie. Si habeis visto la película “Mandíbulas” (mucho más entretenida y divertida que ésta), os será fácil imaginaros a un cocodrilo de unos 9 metros de largo. Si ya las gigantes anacondas de “Anaconda” eran temibles, imaginaros este bicho, que encima corre que se las pela.

Total, que la película cobra bastante fuerza cuando este monstruo aparece en escena, mucho más cuando se insinua su presencia que cuando se le ve. Bueno se le ve...Verse se le ve poco, por casi todas las veces que aparece es de noche, donde apenas se distingue nada. Todo está muy oscuro y más cuando algunas de las secuencias suceden bajo el agua. Por eso, podriamos decir que los efectos especiales cumplen casi todo el rato, porque tampoco es que podamos ver mucho para ponernos quisquillosos.

Sale una sola vez a la luz del día, donde podemos apreciarlo mejor. Ahí los efectos ya cantan un poquito, pero se le perdona (hay que ser permisivos, que no estamos ante una superproducción)

Las interpretaciones son justitas pero acordes con todo lo demás (a Purcell no se le puede exigir mucho). Las escenas están bien rodadas, la fotografía enmarca bien la película y no se recrea demasiado en los paisajes y la música -de ritmos áfricanos- ambienta bien el conjunto.

Lástima que el ritmo se vaya perdiendo a ratos y que muchas veces no veamos nada de lo que está ocurriendo, cosa que como espectador, es intolerable.

El suspense no está muy logrado que digamos, o por lo menos a mí no me ha cautivado. Y la película se jacta de usar los actos heroicos o meramente estúpidos para facilitar las tareas de caza del depredador (típico de estas películas)

En definitiva, no perdais el tiempo en verla en un cine. Un día de estos, si os aburriis y ya habeis visto todas las películas de monstruos que hay en el videoclub, os la podeis alquilar para pasar el rato, que es el único objetivo que cumplen estos limitados productos.

Hoy en día, donde hasta la serie b cuenta con efectos especiales más dignos que los de antes, cualquier película de estas características se nos cuela en la cartelera como lo último de último (conste que adoro la serie b ochentera como el que más) Desgraciadamente, no se molestan demasiado en montarse historias algo más atractivas y menos tópicas (los guionistas son los mismos que Catwoman, Terminator 3 o Species 2...) Pero bueno, como espectadores, ya contamos con eso.

Ah por cierto, el título del post hace referencia a que al cocodrilo lo apodan Gustave. Y el jefe “de los malos” lo nombran como “Pequeño Gustave”.

Aquí el verdadero monstruo de la película no es Gustavo el cocodrilo, conste en acta (por lo menos, ese mensaje queda claro)

Lo mejor: las apariciones del cocodrilo; algún que otro chistecito.

Lo peor: sentir que estas viendo dos películas diferentes en una; la falta de ritmo en algunos pasajes de la historia; los momentos de máxima oscuridad en las que no se ve nada de nada.

Valoración personal: 5 sobre 10

Next, predeciendo el fracaso

“Next” es una película inspirada (que no basada) en un relato corto del prolífico Philip K. Dick, escritor de ciencia ficción cuyas novelas han sido adaptadas a la gran pantalla en varias ocasiones y con resultados de lo más dispares: desde lo más loable -Blade Runner y Desafió Total- hasta lo más mediocre -Infiltrado-, pasando por lo simplemente pasable -Minority Report o Paycheck-.

Contando con un material del gran K. Dick, lo que por lo menos tenemos asegurado, de entrada, es una buena historia de ciencia-ficción, con un tratamiento adulto e interesante de principio a fín. Por lo que el hecho de que dicho producto funcione o no, dependerá mucho de la pericia del director y de las libertades que se tome el guionista a la hora de adaptarla o reinterpretarla.
Dicho esto, anticipo ya mismo que la pericia de éstos, aquí brilla por su ausencia.


La película nos cuenta la historia de Chris Johnson (Nicolas Cage), un mago que trabaja en Las Vegas y que ha sido bendecido con el don de saber qué va a ocurrir a continuación, con 2 minutos de antelación. Esta capacidad la utiliza para ganarse la vida como puede, ya sea en sus espectáculos de magia como apostando en los casinos de la ciudad. Eso sí, siempre con cierto disimulo e intentando no levantar sospechas.
No obstante, un día, tras un altercado en uno de los casinos, descubre que es perseguido por agentes del gobierno que pretenden que les ayude en una importante misión de seguridad nacional, que no es otra que encontrar una bomba nuclear que unos terroristas (rusos, como en los 80 xD) quieren hacer estallar en breve. Al negarse a prestarles su ayuda, Johnson será perseguido tanto por éstos como por los propios terroristas, que sin saber cómo, también conocen de su existencia.

Habiendo tomado prestadas las ideas esenciales que conforman “El hombre dorado” de K. Dick, el resto se traduce en un rutinario producto de acción con un par de estrellas de renombre y alguna que otra cara bonita de relleno. A eso le añadimos unas cuantas escenas de acción resultonas -con sus pertinentes efectos especiales- y una bonita historia de amor que apele a la sensibilidad del espectador, y ya tenemos lo que debería ser la típica película palomitera de una tarde de verano.
Desgraciamente, hasta en sus escasas pretensiones, la película de Tamahori (su director) se queda corta.


Lo primero en lo que falla la película es, obviamente, su guión. La idea está desperdiciada por una trama que no tiene ni pies ni cabeza y que debemos dar por creíble (y no me refiero al don de Cage) si de verdad queremos sentir un mínimo interés por ella.
Partimos de la base de que no sabemos quienes demonios son los terroristas (solo que son rusos), de dónde han salido y cuáles son sus objetivos, más allá de querer hacer estallar una bomba nuclear que tampoco sabemos de donde la han sacado (¿La han robado? ¿Comprado en el mercado negro? ¿Les ha caído del cielo?). Con esto, a uno ya le cuesta ponerse en situación.
La película se centra básicamente en la constante huida de Johnson, empeñado en no ayudar a unos obstinados agentes del FBI que tampoco sabemos como han dado con él ni como han descubierto que tiene el poder de predecir el futuro. Tan solo sabemos que lo necesitan y punto.

Con este percal, realmente lo que menos nos importa es una explicación del porque del poder de Johnson, pues eso podríamos pasarlo por alto sin ponerle ninguna pega. Lo realmente negativo es que todo lo que envuelve la historia sea totalmente artificial y que no se aguante por ningún lado. A esto hay que sumarle la historia de amor que comparten Nicolas -peluquines- Cage y Jessica -maciza- Biel, que no resulta para nada creible y que está plagada de diálogos tontos, con un Cage que se dedica a contar anécdotas filosóficas y/o científicas y algún que otro chiste (malo).
Por lo que si la historia ya flojea bastante, lo mínimo sería exhigirles unos diálogos con más enjundia.
Así que a falta de estas dos cosas, lo que nos queda es esperar que por lo menos las escenas de acción sean atractivas y que la historia se siga con un mínimo de interés. A lo primero, decir que sin ser nada del otro mundo, las escenas de acción cumplen y ayudan a sobrellevar la película, aún contando unos efectos especiales un tanto toscos en algunas secuencias.
A lo segundo, decir que a pesar de los pesares, la película no aburre, pues el ritmo es bastante ligero y en algunos momentos, frenético. Entre tiro y tiro, explosión y predicción de futuro, el director consigue, no sin dificultades, que no nos durmamos durante la agradecida escasa duración de la cinta (hora y media aprox.)
Es interesante ver como Johnson utiliza su poder para esquivar balas y golpes o solucionar ciertas situaciones, evitando cometer los futuros errores que el mismo se ve cometer. Esto digamos que es lo más atractivo de la película y precisamente una parte fundamental del relato corto de K. Dick.
Lo malo es contar con la insulsa interpretación de Nicolas Cage (que también produce). Y es que entre bochornosas pelucas (Cage, despide a tu estilista ya!) y caritas de perro apaleado, este antes buen actor consigue hacer una de sus peores interpretaciones, siguiendo la estela de mala racha que lleva arrastrando desde hace ya un tiempo. Parece que no se tome en serio sus papeles o que simplemente haya perdido el talento -demostrado- que tenía antes, tanto para productos más serios (Los impostores, Leaving Las Vegas) como para productos comerciales de este tipo (La Roca, 60. Segundos, Cara a Cara). Esas caritas de pena empiezan a ser molestas y su criterio para elegir papeles es más que discutible (encima rechazó ser Al Capone en la precuela que prepara De Palma!)


En fin, que si Cage sigue acumulando truñetes, podemos dar por sentado que su carrera como actor se irá al garete, por mucha pasta que recaude con sub-productos como “Ghost Rider”.


A todo esto, también anda por ahí Julianne Moore, una actriz que no me entusiasma demasiado, pero a la que le reconzoco su buen hacer. Aquí no obstante, se limita a interpretar, o mejor dicho, a repetir el papel de mujer polícia dura y astuta que ya interpretó en “Hannibal”. Y sin ser policía, viene a ser la misma mujer que aparecía en “Hijos de los hombres”. Así que espero que en futuros proyectos cambie un poco de rol, porque este ya empieza a oler (y a encasillarla)

Y luego está la hermosa y espectacular Jessica Biel, que se mete una vez más en la piel de una mujer florero, que acompañará y enamorará a nuestro protagonista y que dejará grabadas en mi memoria sus miradas y sus curvas más que su -justita- interpretación.


Aunque no lo creais, lo peor está por venir, pues si hay algo que molesta y mucho de esta película, a parte de lo tramposilla que es a veces, es su chapucero final. No os cuento nada más, pero si deseais ver esta película, esperad al videoclub o tirad del p2p, porque sino puede que lamenteis haber pagado 7 euros por ella.


En resumidas cuentas, “Next” es otra manchita en el currículum de Cage, aunque más pequeñita que de costumbre. Es otra prueba fehaciente de que contar con una buena historia de Philip K. Dick no siempre te asegura una buena película, si los responsables no saben sacarle partido. También demuestra que Lee Tamahori es un director bastante deficiente en muchos aspectos y que “La brigada del sombrero” fue un espejismo de un aparente director con posibilidades, que lo único que ha hecho hasta ahora es ir encandenando churros a cada cual más abominable (Muere otro día; xXx2, estado de emergencia...)

Por último, decir que aunque la historia nos recuerde un poco a la reciente “Deja Vú” o otra adaptación del mismo autor como la ya citada “Paycheck”, “Next” está más cerca de la cinta de John Woo que de la de Tony Scott, siendo la de éste último muy superior a las dos anteriores.
Lo digo porque si no os gustaron nada esas, mejor que prescindais de ver ésta.


Lo mejor: que entretiene a pesar de no ser gran cosa; que es corta; la belleza de Jessica Biel :P


Lo peor: malos diálogos y un guión concebido de forma capuchera; haber desperdiciado una buena historia; los a veces cutres efectos especiales; la peluca y los caretos de Nicolas Cage.


Valoración personal: 5 sobre 10 (podría haber sido peor)

Los Mejores Remakes de la Historia, Part 1

“En esta época, por lo que respecta a los argumentos, creo que ya está todo inventado. Ahora se hacen remakes.”

Billy Wilder, director y guionista de cine

Si ya lo decía el gran Wilder...Y es que esta frase se puede trasladar perfectamente a estos tiempos actuales y cobrar un mayor significado, si cabe.

Y es que estamos viviendo una época en que el Hollywood actual atraviesa una profunda crisis existencial que en vez de ir disminuyendo, se va acrecentando proyecto tras proyecto. Una época en que todo son secuelas, precuelas, remakes, secuelas de remakes, adaptaciones de best-sellers, de novelas fantásticas, biografías varias (de menor y mayor interés), explotación de superhéroes y novelas gráficas... Esto es un no parar y no hace más que demostrar la gran falta de ideas que hay en la industria hollywoodiense..

Pero bueno, no os estoy contando nada que no sepais ya. Creo que este tema daría para largo y esta no es la intención de este post.

La verdadera intención de esta entrada con tan pomposo y llamativo título, no es otra que hacer un pequeño recuento que ilustre algunos de los mejores remakes que se han hecho a lo largo de la historia del cine, desde que mi memoria alcanza y siempre bajo criterio personal (discutible, como el de otro cualquiera xD)

El remake no es un invento de ahora, pues se lleva haciendo desde que el cine es cine. Hasta el mismísimo Hitchock se “remakeó” a sí mismo con “El hombre que sabía demasiado”. Otras veces, éste ha sido remakeado por otro con funestos resultados (ahora mismo a Gus Van Sant le pitan los oídos xD), pero eso ya dará para futuros posts, a los cuales titularé, en un alarde de originalidad, como “Los Peores Remakes de la Historia”.

Lo que realmente sucede ahora, es que el remake se ha (im)puesto muy pero que muy de moda, demasiado creo yo. Sobretodo porque se hacen remakes de películas excelentes que personalmente creo que ya están perfectas tal como están y que no necesitan de una nueva versión para ser descubiertas por las llamadas “nuevas generaciones”.

El chiquillo de a pie que quiera descubrir viejas glorias cinematográficas, que visite un videoclub, un Knac (o similares) o recurra a los vastos parajes de Internet y las redes p2p.

Muchos remakes son un ultraje a la memoria del original. En mi humilde opinión, la máxima que debería seguir cualquier estudio (productora) o director es:

“Haz un remake sólo si crees que puedes hacerlo mejor. Si lo vais a intentar, no lo hagas.”

Puede que algunos se lleven a cabo con la mejor de las intenciones (?¿?), pero en la actualidad, es obvio que el úncio motivo es el de sacarnos los cuartos y que, a falta de ideas, cojan lo que ya está hecho para asegurarse el éxito (cosa que pocas veces ocurre)

Calculo, a bote pronto, que de 10 remakes que se hacen, tan solo un par merecen la pena. Algunos incluso están a la altura del original; pocos lo superan pero se muestran como dignas revisiones; otras resultan tan innecesarios como prescindibles de ver; y sinceramente, la agran mayoría son un insulto.

Dicho esto, con este post que me he montado, pretendo dar a conocer los que son, para mí, los mejores remakes que se han hecho. En muchos muchos casos, los valoraré individualmente sin entrar en comparaciones con el original, ya sea porque no he visto dicho original o por no infravalorar “la copia”.

Para empezar, tres títulos de lo más escalofriantes:

“Amanecer de los muertos” (Dawn of the Dead) 2004 – Zack Snyder

Reciente remake de “Zombie” (1978), continuación de “La noche de los muertos vivientes”, ambas cintas dirigidas por el maestro indiscutible de este subgénero, George A. Romero.

Con este opera prima Snyder conseguía superar la cinta original de Romero, cosa que pocos consiguen.

Con una puesta en escena impecable y un dominio del pulso narrativo impresionante, Snyder creó un remake realmente aterrador y una de las mejores cintas de terror de los últimos años.

Si bien la crítica social que impregnaba la cinta original, aquí queda relegada a un segundo plano, no podemos negar que el tratamiento de los personajes y el manejo del suspense conforman una de sus mejores bazas. El humor cínico de algunos momentos nos ayuda a coger un poco de aire para afrontar la siguiente escena, cargada de sangre y vísceras :)

¿Sabías que... se requirieron tres tipos de sangre para cada estado de los zombies?

Se utilizó una sangre roja y fluida para la primera fase; una versión más seca y marrón para la segunda fase; y una sangre negra y aceitosa para la tercera fase.

“ La Cosa” (The Thing) 1982 - John Carpenter

Remake de un clásico de la ciencia-ficción, “El enigma de otro mundo” de 1951, dirigida por aquel entonces por un tal Christian Nyby y producida por el gran Howard Hawks.

No he tenido el placer de visionar la original, pero el remake del Maestro Carpenter me parece una absoluta obra maestro del género de terror. Una película claustrofóbica, llena de terror y suspense, y con unos competentes efectos especiales (aún a día de hoy) que jugaban en beneficio de la historia y que en ingún momento fueron el reclamo de la cinta (ni falta que le hacía)

Una de mis cintas favoritas del “Maestro” y una muestra fehaciente de la solvente unión entre este director y su actor fetiche, el carismático Kurt Russell (Serpiente Plissken, para los amigos xD)

¿Sabías que... los efectos especiales corrieron a cargo de un jovencísimo Rob Bottin?

Dichos efectos causaron gran impacto en la época y Bottin, con tan sólo 22 años, fue pionero en el uso de "animatronics" hechos con resinas y siliconas que daban un aspecto tan repulsivo como fantástico al monstruo.

“La Mosca” (The Fly) 1986 – David Cronenberg

De nuevo, un remake de otro clásico de la ciencia-ficción/terror, de mismo título y dirigido en 1958 por Kurt Neumann (Tarzán y las amazonas)

Obviamente, nos encontramos con una mejora en el aspecto visual del “bicho”, con unos efectos especiales que ayudan a creerse lo que uno está viendo. Pero Cronenberg fue más allá de lo visual, adentrándose en la psique del personaje, en sus miedos, en esa convivencia entre el hombre y la bestia y sobretodo en la relación de amor que mantiene el protagonista (Jeff Goldblum) con la periodista Veronica Qualfe (Gena Davis)

Una de las películas más comerciales de Cronenberg y uno de sus mayores éxitos, ya no solo dentro de sus fans, sino también por el público en general y para la crítica, que no siempre le favorece.

¿Sabías que... Jeff Goldblum y Geena Davis iniciaron una relación durante el rodaje de esta película?

Ya antes habían coincidido en la película “Transilvania 6.500", pero no surgió el romance hasta que se reencontraron en esta cinta. La relación duró unos años y Davis, tras divorciarse de Goldblum, se casó en 1993 con el director finlandés Renny Harlin (Máximo Riesgo), quien la dirigiría un par de veces en “La isla de las cabezas cortadas” y “Memoria letal”.

Y hasta aquí, la primera tanda de remakes. Espero que os haya gustado y si hay alguna que no la habeis visto, remediadlo!! ;)

Iré intercalando entregas entre crítica y crítica, para que la cosa sea menos monótona.

Tocaré varios géneros, no os preocupeis xD

Saludos

Transformers, la comedia del año

Antes que nada, aclaro que el título del post no es para nada sarcástico, pues un servidor se ha echado unas buenas risas con esta película. Hacía tiempo que no oía tantas carcajadas en una sala de cine.
Esto es, para una cinta como “Transformers”, tanto un punto a favor como un punto en contra.
A favor, porque ayuda a asumir con mayor facilidad las carencias argumentales de las que hace gala el guión y también porque permite agilizar el ritmo entre escena de acción y escena de acción.
En contra, porque en algunos momentos se torna demasiado caricaturesca (por no decir ridícula) y sobretodo porque ese humor imposibilita el tono épico que debería tener un producto de estas características.

Por lo tanto y haciendo referencia a otras cintas del sr. Bay (el artífice de todo esto), podríamos decir que Transformers contiene todo el humor de las dos “Bad Boys” juntas pero le falta la emoción y la epopeya de “Armageddon”.
Por lo que, en lineas generales, no se puede decir que ésta sea su mejor película (para mí ese puesto lo ocupa “La Roca”), pero por lo menos mantiene el nivel que se le podría pedir a un blockbuster veraniego y que bajo el criterio de quien esto escribe, supera con creces los decepcionantes productos primaverales que se han estrenado este año.

Es cierto también que se le podía pedir más, por qué negarlo. Probablemente no cumpla las altas expectativas con los que algunos acudan a su proyección, pero si uno logra olvidarse de ellas, de la serie de animación que una vez vió y de los habituales prejuicios, creo que por lo menos no se sentirá estafado y disfrutará del resultado, que ya lo digo, no es para nada malo.


Todos sabemos que Michael Bay es un director con un gran número de detractores, tanto dentro de la crítica especializada como del público en general. Sus películas suelen carecer de transfondo y se basan principlamente en el espectáculo visual. Tampoco creo que Bay pretenda otra cosa que entrener al público, por lo que es justo reconocerle sus méritos dentro del cine palomitero.
Algunos veces lo ha hecho mejor y otras peor, pero es totalmente irrazonable jugarlo desde una posición extremista, es decir, quienes le adoran pondrán sus películas por los cielos, cosa obviamente exagerada; pero quienes lo vapuleaban sin contemplaciones, tampoco sabrán verle ciertas virtudes que sí tiene dentro del género en el que él a decidido moverse.

Tampoco pretendo que esta crítica se convierta en un reivindicación a su trabajo, pero sí que se juzguen sus films por lo que son -o pretenden ser- y no por seguir esas típicas pautas que toda película debe cumplir.
Quien vaya a ver una película de estas características, sea de Michael Bay o de Juanito el de los palotes, buscando un guión sofisticado y completo, anda muy errado. Claro que también hay que exigir unos mínimos, y siendo razonables, “Transformers” no los cumple.

Pero vayamos por partes, que no quiero irme por las ramas.

Transfomers tiene un guión mediocre. Parte de una historia que, primeramente, no ocuparía con solvencia las dos horas y media que dura la película; y segundo, valdría para un capítulo de la vieja serie de dibujos, pero no para una película en condiciones.
Obviamente, Bay, que no tiene un pelo de tonto, consigue que con toda su pirotecnia no prestemos demasiada atención al guión. Por lo que, al fin y al cabo, pese a ser un error importante, la película se puede disfrutar igualmente.
Otras veces, dicha pirotecnia no consigue tapar un porquería de guión, pero en mi opinión Bay sabe hacerlo mejor que otros de sus compatriotas.
Ahora bien, cuando este hombre cuenta con un buen guión, tampoco es que lo haga mejor, sino peor. Echar al traste un guión tan interesante como el de “La Isla”, por culpa de una última hora de presecuciones tan banales como trepidantes, fue un tropezón de cuidado. Luego hay proyectos demasiado ambiciosos e inadecuados para sus características como director, por lo que una “Pearl Harbor” en sus manos ya era una mala idea desde el principio (lo mejor, los 40 minutos del ataque nipón)


Visualmente la película es espectacular y por lo tanto, nada que achacarle en ese aspecto. Los efectos especiales en general, y el CGI de los robots en particular, son realmente impecables.
Transformers supone un avance muy importante en el campo de los efectos digitales, toda una revolución que ya hicieran en su momento cintas como “Terminator 2”, “Parque Jurásico” y “Matrix”.
Realmente uno se cree lo que está viendo. Piensas que los robots están ahí, interactuando con los actores. Chapeau!

Bay como siempre, imprime un ritmo trepidante para casi toda la película. Se la puede acusar de cierta lentitud al principio, ya que tarda un poquito en arrancar del todo, pero nada más empezar ya tenemos un buen par de escenas vibrantes que nos sirven como aperitivo para lo que veremos después.
Como ya he dicho más arriba, el humor ayuda a sobrellevar gratamente esos momentos de transición en el que se nos cuenta un poco de qué va la historia y quiénes van a ser sus protagonistas.
Sin embargo, hay algunas escenas a lo largo del film más propias de una American Pie, que aún haciendo gracia, están totalmente fuera de lugar (véanse aquellas en las que aparecen los padres del prota)

Lo que son las escenas de acción, ya he dicho que es pura espectacularidad, aunque a veces sucede todo tan rápido que el ojo humano no capta un carajo. Por ello, en algunos momentos también se echa mano de la imagen a cámara lenta, que ayuda a apreciar hasta el mínimo de los detalles. Por suerte, no creo que se haga un abuso de ésta, así que la cosa queda bastante equilibrada.

Pero si hay algo realmente más apabullante que los propios Transfomers, es la impresionte belleza de Megan Fox :D. Esta mozuela no le hace falta un androide gigante para que un servidor clave sus ojos en la pantalla. Como dice la frase, “Vale más una imagen que mil palabras”, así que a las pruebas me remito:



Ya que me he dejado llevar por mis instintos más humanos, de paso comento al resto del reparto xD

Shia LaBeouf es el segundo protagonista absoluto de esta película y el afortunado que entablará amistad con los simpáticos Autobots. Su interpretación es más que correcta, por lo que si albergaba yo algún temor sobre su participación en la cuarta entrega de Indiana Jones, éste se ha disipado por completo.
Su personaje -Witwicky, un chico normal y corriente aunque algo ingenuo- se acopla a la perfección con el carácter cómico que se le ha dado a la película y a los propios Autobots. Es imposible no sentir empatía con él e incluso en algún momento sentirse idenficado (¿quién no ha perseguido aguna vez, con cierta torpeza, a su amor platónico?)
Sus momentos con Bumblebee (el autobot-coche que conduce) son los más divertidos (muy bueno lo de las canciones; ese “Baby Come Back” xDD) y también los más emotivos, por así decirlo.

Tanto Josh Duhamel (visto en la serie Las Vegas) como Tyrse Gibson (A todo gas 2) cumplen con su rol de valientes militares (el habitual patriotismo que no falte)

Jon Voight, en su segunda colaboración con Bay, le otorga la presencia necesaria a su personaje, el secretario de defensa. Aunque lo considero un buen actor, cada vez más demuestra una menor variedad de registros (por no hablar de su cada vez más discutible criterio a la hora de elegir papeles)

Luego está John Turturro, que está bastante desaprovechado, y aunque sabe darle ese toque *abrón a su personaje, yo lo hubiera ubicado en otro papel más relevante o con mayor trascendencia.

Comentar también la breve pero agradable presencia de Kevin Dunn, haciendo de padre del prota.

Bernie Mac tiene un breve cameo haciendo un poco lo de siempre.

Y ya por último citar a esa rubiaza llamada Rachel Taylor, que quien logre creerse que es una inteligente hacker con asombrosa facilidad para el uso de armas de fuego, que por favor levante la mano xD


Quisiera también hacer incapié en un momento de la película en el que me ha sido inevitable encontrarle semejanzas con otra cinta de invasión alienígena. Me refiero a “Indepence Day”.
Lo siguiente podemos considerarlo un SPOILER, así que si no aún no habeis visto la película, id directos al siguiente párrafo.
Cuando se nos da a concocer el “Sector 7” como un proyecto ultrasecreto a escondidas del gobierno, mi memoria ha buscado semejanzas con el “Area 51” del film de Roland Emmerich.
En ambas cintas se tiene por lo menos, un ejemplar del ser alienígena (el bicho con téntaculos-Megatrón); y en ambas se tiene también un enorme objeto perteneciente a los invasores (la nave-el cubo)
Inspiración? Falta de ideas? Imaginaciones mías? Juzgad vosotros mismos ;)
FIN DEL SPOILER.


En definitiva, Trasnformers no es un peliculón, pero sí un buen entretenimiento. Michael Bay ha conseguido sacar adelante un proyecto que podría haber sido un rotundo fracaso. Pocos nombres se me hubieran ocurrido para hacerse cargo de ello (un James Cameron o un Roland Emmerich en buena forma, hubieran ido bien).
Es una película que hay que ver sin prejuicios y olvidándose completamente de la serie original.
Yo era el primero en decir que el diseño de los robots era bastante feo, y aunque no he cambiado de opinión, si me he acostumbrado a ellos. Ahora bien, Megatrón es horrendo de narices.

Así que recomiendo esta película a aquellos que busquen un digno entretenimiento sin pararse a contemplar y enumerar cada uno de sus fallos (y conste que yo muchas veces soy de esos).
Sugiero que os olvideis de la nostalgia hacia la serie, pues puede echar al traste cualquier intento de disfrutar de la adaptación de tan famosos y fabulosos personajes.

Transformers es el blockbuster del verano, no os quepa duda.



Lo mejor: Los robots y las peleas entre estos; el humor que destila; las espectaculares secuencias de acción; Shia LaBeouf y Megan Fox.

Lo peor: Un guión mediocre y algunos diálogos chorras; lo poco que sabemos de cada uno de los robots; su alargado metraje; que no llegue a emocionar como debiera.


Valoración personal: 7,5

28 semanas después..., el virus de la ira acecha de nuevo

Sin duda, el 2007 es el año de las secuelas (entre otros tantos remakes y adaptaciones varias). Si desde Hollywood nos machacan con segundas, terceras y cuartas partes (a cada cual peor), porque en el Reino Unido iban a ser menos?
Por ello, cinco años después de la inquitante y estupenda (a ratos) “28 días después” del sr. Boyle, nos llega su secuela de la mano de un director patrio, Juan Carlos Fresnadillo (de origen canario, para más señas)

Tras la buena impresión que le dejó a Boyle la ópera prima del sr. Fresnadillo (Intacto), éste último se postuló como el hombre indicado para llevar a cabo la película que nos ocupa, ya no solo dirigiendo todo el cotarro, sinó también colaborando concienzudamente en el guión.


Ya han pasado unos seis meses después de que el virus de la ira (como así se le conoce) arrasará las Islas Británicas convirtiendo, en cuestión de días, a todo ser humano en una especie de zombies extremadamente feroces y aco*onantemente rápidos (y es que si hay algo que dé más yuyu que un zombie típico y clásico, es un zombie velocista)
Parece que ya no queda rastro del virus y el ejército estadounidense tiene el país controlado para evitar cualquier posible renacer del virus. Han empezado las tareas de reconstrucción y ante la actual calma, se empiezan a repatriar a los refugiados, ofreciéndoles un nuevo alojo dentro de un perímetro de seguridad que no deben sobrepasar.

Obviamente, el virus volverá a hacer acto de presencia, sino no tendríamos película xD
El caos sembrará de nuevo la ciudad y las medidas de contención del virus serán tan inhumanas como inútiles.

Ante lo que se avecina, una reencontrada familia tendrá que hacer máximos esfuerzos para permanecer unida y salvaguardarse del constante peligro.

Y hasta aquí puedo leer, porque no quiero chafarle la película a nadie.
Lo siguiente va a ser un poco de análisis e impresiones personales tras su visionado.
De entrada, puedo decir que es, en muchos aspectos, superior a su antecesora. Y dentro de la enfermiza plaga de secuelitis que nos invade en estos últimos tiempos, eso es decir mucho.

“28 semanas después” es, a groso moso, una buena cinta de terror y una buena muestra de lo que puede dar de sí el subgénero de zombies. Subgénero que ha pasado de la más inofensiva y casi siempre divertida serie B, a ser un producto terrorífico de calidad.
Nada que ver con la nueva hornada de salvajadas que inundan hoy día nuestras carteleres, con guiones estúpidos, personajes ridículos y estereotipados y vendidas supuestamente como el nuevo terror-gore del siglo XXI.
La cinta de Fresnadillo se rie y, disculpádme la expresión, se mea en todas estas mamarrachadas pseudointeletualoides que en algunos casos vienen apadrinadas por directores de renombre que hace tiempo que no levantan cabeza (esto que acabo de decir puede que me cueste alguna crítica, pero sinceridad y honestidad ante todo con mis estimados lectores :D)

Dentro de ese marco, lo que un servidor exigía era que como mínimo esta secuela estuviera a la altura del anterior film de Boyle. Pero no ha sido así, pues Fresnadillo lo que ha hecho es superarla, aunque no por ello ha evitado cometer ciertos (y para mí molestos) errores que comentaré más adelante.

Pero primero, lo bueno:

La factura de la película es impecable, tanto el maquillaje como los efectos especiales. Así que ríete tú de Hollywood y sus aparatosos (y casi siempre desperdiciados) presupuestos.
No es que “28 semanas...” sea una baratija. Obviamente se ha invertido un buen pastón para lo que es el cine inglés, pero según propias palabras de su director, está muy lejos de los 150 millones que se gastan los americanos, por lo que estaríamos hablando de un presupuesto medio más que digno.
Pero aquí lo importante es que cada euro está bien invertido, o por lo menos eso parece.

El guión es simple pero efectivo. No le vamos a pedir más. Quizás peca un poco de lo que yo llamo casualitis (exceso de casualidades de discutible coherencia argumental), pero a pesar de ello, la historia de atrapa desde los primeros 10 minutos y ya no te suelta hasta el final.

Aún teniendo más que sabido lo que puede ir ocurriendo a lo largo del film (es terror, originalidad en este campo, poca), Fresnadillo logra que como espectadores que somos, nos sorprendamos ante los acontecimientos que se van sucediendo. Y eso tiene mérito, porque el tema está más que manido.
Logra, además, crear una tensión palpable en todo momento. Intercala secuencias meramente dramáticas con secuencias de pura acción (bastante impactantes y bien realizadas). A éstas, se le unen los momentos de terror, realmente angustiosos y que se suceden en dosis justas a lo largo de película.
Del gore tampoco es que se abuse en exceso, bajo mi criterio. Lo hay, claro, sino no sería una película de zombies como Dios manda xD, pero es bastante soportable incluso para aquellos más reticentes a él. Vamos, que no se llega a extremos nauseabundos, salvo que yo haya alcanzado un alto nivel de tolerancia (cosa, por otra parte, bastante probable) :)

Otra cosa que me ha gustado, es la música que acompaña la película, desde los temas más épicos, por así decirlos (dándo un énfasis mayor a las secuencias) hasta los que se ciñen más a momentos más tensos (recordándome a las partituras del Maestro Carpenter)

Respecto a los actores, resaltar la siempre agradecida presencia de Robert Carlyle, un actor que no se prodiga tanto como quisiéramos, pero que cuando lo hace no deja dudas sobre su buen hacer.
Luego está Rose Byrne, a quien se pudo ver brevemente en Troya, y que aquí hace un papel convincente de una mujer valiente y luchadora. Jeremy Ronner, visto antes en la horripilante “S.W.A.T.” y que aquí hace un papel más humano de lo que cabe esperar en un militar yanqui. Catherine MacCormack, como nunca antes la habíamos visto, aparece BREVE SPOILER!!! como pieza clave de toda la historia FIN SPOILER!!
Y como colofón final y para sorpresa de un servidor, una hermosa jovencita llamada Imogen Poots, que interpreta a la hija de Carlyle y que para mí sorpresa, expresa de forma conviencente emociones tales que miedo, pánico, tristeza o nostalgia, sin que resulte sobreactuada como harían muchas otras muchachas de su edad en productos de tal índole.

Siendo una cinta de terror, no es que los personajes estén muy muy desarrollados, pero están lo suficientemente explicados como para saber de que pie cojea cada uno.


Y ahora lo malo:

Siguiendo con el reparto, cabe destacar la molesta presencia de un niño incapaz de mostrar algún atisbo de humanidad. Apenas se inmuta ante nada. La misma cara seria durante toda la película. Que a mí me parece muy bien y hasta creíble que un niño pequeño afronte con valentía una situación con la que muchos mancharían su ropa interior, pero de ahí a deshumanizarlo como si de un robot se tratara, resulta inadecuado.
Yo supongo que todo viene dado por la absoluta incompetencia del niño actor en cuestión. Quizás soy muy exigente y es muy probable que ni siquiera sea un profesional como para exhigirle mucho, pero sí unos mínimos, que tampoco dudo en que a las pruebas de castings se presenten numerosos candidatos, como para que luego se escoja al peor o a veces al “hijo de tal” (método popularmente conocido como enchufe)


Una vez sopesado este inconveniente que tratamos de pasar alto, llega otro tema que a mí personalmente me enoja bastante, y es el uso de la Steady-Cam (llevar la cámara sujeta al operario en cuestión para evitar engorrosos travellings) o lo que yo llamo la Parkinson-Cam.
Esta técnica tiene muchas variantes y es obvio que resulta muy beneficiosa si se sabe utilizar. Ahora se ha puesto muy de moda para dar un mayor realismo a las secuencias (acercándose al documental), aunque el invento nace allá por la década de los 70.

La cuestión es que bien empleada, puedo conseguir un realismo impactante y eficaz. Pero si la usas como si el cámara se encontrare en medio de un ataque epíleptico, pues acabas cansando al espectador, que contempla la pantalla sin saber que carajo está sucediendo. Una tortura para nuestras retinas, vamos.
A mí, en esta película en cuestión, me ha molestado bastante, sobretodo cuando ese tiempo se alarga hasta 3 o 4 minutos, que pueden parecer poco, pero resultan un agobio cuando la cámara no para moverse. Hay otras formas de crear secuencias impactantes. Si lo que quería era angustiarnos (que puede ser), lo ha conseguido, pero de la peor de las maneras y con un efectismo bastante tosco.

Conste que la steady-cam no siempre se rige por el movimiento. Hay mecanismos para que quede más rígida, que el movimiento del cámara no se note tanto y permita rodar, como ya digo, una buena secuencia sin usar el travelling.
No es el caso, obviamente.

Y ya con esto, sólo me queda nombrar el último y molesto error. Lo consideraré un spoiler. Así que: SPOILER!
Terminar la película con final inconcluso.
Empieza a cansar que la industria de cine esté empeñada en secuelas sacacuartos. Probablemente Fresnadillo, que según él ha dirigido el film con bastante libertad, se haya visto obligado ha elaborar un producto con final abierto, dejando paso a una posible tercera parte (y cuarta, y quinta y todas las que sean “necesarias”...)
Parece que acudimos al cine a ver trozos de película. Ya no vemos nada con principio y final (dentro del cine comercial). Y si lo hay, de seguro que con alguna absurda excusa, nos sacarán otra innecesaria secuela.
No sé a vosotros, pero a mí me empieza a cansar.


Dicho esto, estamos ante una secuela recomendable para los amantes del género de terror en general, y de los zombies, en particular. Así que si sois de esos, ya estais tardando en verla ;)

Yo por mi parte, seguiré los pasos del Sr. Fresnadillo, cuyo debut en tierras extranjeras ha supuesto una grata sorpresa. Desde aquí, le deseo suerte en sus futuros proyectos y si para regalarnos buen cine del género que sea, debe alejarse de su patria, que así sea, no vaya a ser que se eche a perder.
Y es que aquí, entre dar cobijo a los de siempre y apostar por el cine más casposo y repetitivo, se cometen faltas tan graves como ignorar a un aparentemente talentoso director como él.

“Intacto” queda pues, para un futuro visionado :)



Lo mejor: el ritmo endiablado; la angustia que se respira en cada fotograma.

Lo peor: el niño de las narices; la temblorosa cámara en algunas secuencias; un final abierto tan típico como molesto.


Valoración personal: 7,3 sobre 10